El inolvidable Steve McQueen

7 de noviembre de 2010


Steve McQueen en Bullitt (1968)

Hoy se cumplen 30 años de la muerte de uno de los iconos más populares del cine moderno: Steve McQueen.

Tenía solo 50 años, y fue víctima de un cáncer de pulmón. Fumaba mucho.

Steve McQueen se inició en el cine con un breve papel en Marcado por el odio (1956) de Robert Wise, y su primer papel protagonista fue la cinta de ciencia ficción de bajo presupuesto The Blob (1958), que hoy es una verdadera cult-movie y que fue remakeada en 1988 con Kevin Dillon de protagonista.





Pero la película que elevó a Steve McQueen al estrellato fue Los siete magníficos (1960), que adaptaba el argumento de Los siete samurais de Kurosawa al western. A partir de ahí siguió subiendo, y entre sus películas más importantes están La gran evasión (1963), un película realmente divertida sobre la fuga de un campo de prisioneros nazi; Nevada Smith (1966), otro buen western dirigido por Henry Hathaway; El Yang-Tse en llamas (1966), película de aventuras que criticaba el colonialismo de Estados Unidos en Asia; Bullit (1969), policiaco innovador cuyas famosas persecuciones hicieron escuela; El caso de Thomas Crown (1968), sobre un ladrón de guante blanco y objeto de remake hace pocos años; La Huida (1972), una de las mejores películas de Sam Peckimpah y donde compartio protagonismo con su mujer en la vida real, Ali McGraw; Papillon (1973) junto a Dustin Hoffman, sobre una fuga carcelaria de la Isla del Diablo; El coloso en llamas (1974), quiza la pelicula de catastrofes más famosa de los años 70. En su última película, The Hunter (1980), titulada en España Cazador a sueldo, interpreta a un moderno cazarrecompensas.

Steve McQueen decía "Tengo una pasión: el mundo del motor. Y dos grandes aficiones: los coches y las motos". A los 25 años de su muerte, Steve McQueen sigue marcando estilo, y su imagen sigue siendo utilizada incluso por la publicidad, prueba de que sigue siendo símbolo de una generación y de una forma libre de entender la vida que nunca ha pasado ni pasará de moda.


La famosa persecución de Bullitt (1968)





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Enlaces:

  • www.mcqueenonline.com
  • www.stevemcqueen.org.uk


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  • Richard Brooks, un cineasta con estilo propio

    1 de septiembre de 2010


    Richard Brooks (1912-1992)

    Periodista, novelista, marine, colaborador de Orson Welles en la radio, Richard Brooks fue un todoterreno con una pasión constante por la narración en cualquiera de sus formas. Pocos lo saben, pero comenzó su carrera como guionista de los epics de Maria Montez: aventuras de ensueño en technicolor como La salvaje blanca (1943) o La reina de Cobra (1944). De la fantasía exótica pasó a escribir o adaptar violentas tramas de cine negro, como Brute Force (1947) de Jules Dassin o Cayo Largo (1948) de John Huston. Gracias al apoyo de Cary Grant, debutó como director en Crisis (1950), un thriller médico.


    Cary Grant y Paula Raymond en Crisis (1950)
    Cary Grant y Paula Raymond en Crisis (1950)


    Humphrey Bogart y Roy Silvers en Deadline USA (1952)
    Humphrey Bogart y Roy Silvers en Deadline USA (1952)


    Humphrey Bogart, June Allyson y Perry Sheehan en Campo de batalla (1953)
    Humphrey Bogart, June Allyson y Perry Sheehan en Campo de batalla (1953)



    Tras la notable Deadline USA (1952), su personal homenaje al mundo del periodismo con Humphrey Bogart como director de diario enfrentado por igual a la mafia y a los poderes públicos, Richard Brooks repitió con Bogart en Campo de batalla (1953), película que muchos han querido ver como un antecedente de M.A.S.H. de Robert Altman. Ese mismo año estrenaría Hombres de infantería, donde rendía tributo a sus años de marine en una crónica realista sobre la instrucción de los futuros soldados a manos del consabido sargento de hierro (Richard Widmark) contrapuntado por otro sargento de corazón de oro (Karl Malden)

    En 1954 da una nueva muestra de su versatilidad adaptando a Scott Fitzgerald en La última vez que vi París, basada en "Babilonia Revisitada". La acción, que arranca en los días de la liberación de París, narra los anhelos y fracasos de un periodista americano aspirante a escritor, interpretado por Van Johnson, y su historia de amor con una bellísima y sufriente Elizabeth Taylor. No faltan los tópicos de americanos en París, pero el conjunto desprende una poderosa melancolía.


    Karl Malden, Richard Widmark y Elaine Stewart en Hombres de infantería (1953)
    Karl Malden, Richard Widmark y Elaine Stewart en Hombres de infantería (1953)


    Elizabeth Taylor y Roger Moore en La última vez que vi París (1954)
    Elizabeth Taylor y Roger Moore en La última vez que vi París (1954)


    Glenn Ford y Sidney Poitier en Semilla de maldad (1955)
    Glenn Ford y Sidney Poitier en Semilla de maldad (1955)



    En cualquier caso, a Brooks la fama le llegaría en 1955 con Semilla de maldad, acercamiento entre realista y moralista a la delincuencia juvenil en las aulas de los barrios pobres de Nueva York, con Glenn Ford en el rol de un padre Flanagan laico, y que pasaría a la historia por incluir en sus créditos el primer himno oficial del rock & roll: el contagioso Rock around the clock, de Bill Halley y sus cometas. La película conoció un enorme e inesperado éxito, y dio a su director el crédito suficiente para aspirar a mayores empresas.


    Robert Taylor y Debra Paget en La última cacería (1956)
    Robert Taylor y Debra Paget en La última cacería (1956)


    Sangre sobre la Tierra (1957)
    Cartel de Sangre sobre la Tierra (1957)


    Los hermanos Karamazov (1958)
    Escena de Los hermanos Karamazov (1958)



    En 1956 incursionó por primera vez en el western con La última cacería, sobre la caza de bisontes en las praderas norteamericanas. Aunque no muy valorado en su tiempo, representa un film pionero por sus preocupaciones ecologistas, anticipando asimismo la deriva crepuscular del género.

    Posteriormente retomaría su línea de adaptaciones literarias con tres producciones de muy diverso signo. La primera es Sangre sobre la tierra (1957), un ejercicio de tolerancia de corte liberal, un tanto insuficiente pero insólito para la época, sobre un tema tan espinoso como la revuelta de los Mau-mau contra los colonos blancos en Kenia. Rodada en blanco y negro, con localizaciones de estudio, la película está menos atenta a su potencial dramático que a la insistencia en su mensaje integrador, simbolizado en la escena final con el colono Rock Hudson cargando a sus espaldas a un herido Sidney Poitier.

    De 1958 es Los hermanos Karamazov, una adaptación con pretensiones de totalidad de la novela de Dostoievski, pero que debería haberse llamado "el hermano Karamazov", por centrarse casi exclusivamente en el personaje de Dmitri (Yul Brynner)


    La gata sobre el tejado de zinc (1958)

    Paul Newman y Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc (1958)
    Paul Newman y Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc (1958)



    También en 1958 llevaría a cabo su primera y más famosa adaptación de Tennessee Williams con La gata sobre el tejado de zinc, película considerada fuerte para su época hasta el punto de que el director se vio obligado a convertir la homosexualidad del protagonista masculino (Paul Newman) en parálisis emocional. Centrada en los conflictos de un matrimonio sureño en el que la mujer (de nuevo, una bellísima y salvaje Elizabeth Taylor) reclama, sin éxito, las atenciones de un marido apático, contó también con la participación de Burl Ives, que había estrenado la obra en Broadway, en el personaje de Big Daddy, el viejo padre de Paul Newman, todopoderoso amo de una plantación infinita, enfermo de cáncer.


    Burt Lancaster y Jean Simmons en Elmer Gantry (1960)
    Burt Lancaster y Jean Simmons en Elmer Gantry (1960)


    Paul Newman y Geraldine Page en Dulce pájaro de juventud (1962)
    Paul Newman y Geraldine Page en Dulce pájaro de juventud (1962)



    Comenzó la decada de los sesenta con El fuego y la palabra, una brillante y polémica adaptación de la novela "Elmer Gantry" del nobelizado escritor Sinclair Lewis, sobre un predicador evangélico (inmenso Burt Lancaster) que utiliza la religión para su propio beneficio. Durante el rodaje de esta película Richard Brooks comenzó su relación con Jean Simmons, con la que se casaría el 1 de noviembre de 1960. El matrimonio duró diecisiete años y tuvieron un hijo.

    Tennessee Williams habría quedado muy satisfecho con su dirección de actores en La gata..., así que no hubo el menor problema para que llevase a la pantalla otro de sus melodramas más famosos, Dulce pájaro de juventud (1962), con el mismo reparto de Broadway: de nuevo Newman acompañado por Geraldine Page. Dulce pájaro... narraba la relación entre un jóven aspirante a actor que volvía a su pueblo natal en compañía de su protectora, una diva en crisis, alcoholizada y olvidada. También aquí los aspectos más controvertidos del texto original fueron suavizados.


    Peter O'Toole en Lord Jim (1965)
    Peter O'Toole en Lord Jim (1965)


    Burt Lancaster y Claudia Cardinale en Los Profesionales (1966)
    Burt Lancaster y Claudia Cardinale en Los Profesionales (1966)


    Robert Blake y Scott Wilson en A sangre fría (1967)
    Robert Blake y Scott Wilson en A sangre fría (1967)



    Etiquetado como gran adaptador, siguió en esa línea con Lord Jim (1965), sobre la famosa novela de Joseph Conrad y con Peter O'Toole de protagonista, un proyecto muy anhelado por Brooks y al que dedicó tres años de trabajo. Lord Jim es un magnífico film de aventuras que no sacrifica un apice la complejidad psicológica de los personajes, y todo a pesar de un azaroso rodaje que les llevó por Camboya, Hong-Kong y Malasia.

    Continuaría su carrera con Los profesionales (1966), un gran western basado en un libro de Frank O'Rourke y ambientado durante la Revolución Mexicana, con un lujoso reparto donde estaban Lee Marvin, Burt Lancaster, Claudia Cardinale o Robert Ryan.

    Pero el momento culminante llegaría con la modélica versión fílmica de A sangre fría (1967), la obra maestra de Truman Capote. Rodada en blanco y negro, con actores poco conocidos y en los escenarios naturales donde transcurrieron los hechos, Brooks nos ofrece un trabajo sobrio, cuidando al máximo todos los detalles y siendo absolutamente fiel al texto original. Probablemente se trata de la mejor película de su carrera.


    Con los ojos cerrados (1969)
    Cartel de Con los ojos cerrados (1969)


    Goldie Hawn en Dólares (1971)
    Goldie Hawn en Dólares (1971)


    Muerde la bala (1975)
    Cartel de Muerde la bala (1975)



    Con Jean Simmons de protagonista, en 1969 estrena Con los ojos cerrados, sensible relato de una crisis matrimonial con tintes autobiográficos. De 1971 es Dólares, thriller cínico y bastante divertido sobre las andanzas de un pareja de atracadores formada por Warren Beatty y Goldie Hawn. En 1975 volvería con Muerde la bala (1975), un western áspero, violento y realista con Gene Hackman y Candice Bergen.

    Para acabar la década de los setenta, dirigió Buscando al Sr. Goodbar (1977), adaptación de un bestseller de Judith Rossner, con Diane Keaton de protagonista y que supuso el debut en el cine de Richard Gere. Tachada apresuradamente de moralista (la chica, tras haberse entregado a todo tipo de vicios, muere asesinada por un maníaco) constituye un relato lúcido y penetrante sobre la vida erótica en las grandes ciudades.


    Richard Gere y Diane Keaton en Buscando al Sr. Goodbar (1977)
    Richard Gere y Diane Keaton en Buscando al Sr. Goodbar (1977)


    Objetivo Mortal (1982)
    Cartel de Objetivo Mortal (1982)


    Juego sucio en Las Vegas (1985)
    Cartel de Juego sucio en Las Vegas (1985)



    Tras la disparatada farsa política Objetivo mortal (1982) que pasó sin pena ni gloria, Brooks se despidió del cine con Juego sucio en Las Vegas (1985), una estimable aproximación al mundo de los adictos al juego, que mereció mejor suerte. El desastre en taquilla de sus dos últimas películas, de las que también era productor, le supusieron una debacle económica de la que no se recuperó.

    Richard Brooks murió el 11 de marzo de 1992 de un ataque cardíaco, en su casa de Beverly Hills.


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    María Caridad Colón, un orgullo para Cuba

    25 de julio de 2010


    María Caridad Colón, campeona olímpica de lanzamiento de Jabalina en Moscú '80

    Hoy se cumplen 30 años del histórico triunfo de la inolvidable atleta cubana María Caridad Colón en la prueba de lanzamiento de jabalina de los Juegos Olímpicos de Moscú 1980.

    María Caridad Colón, con solo 22 años, sorprendió a las poderosas lanzadoras de Europa del Este, entre ellas la alemana oriental Ruth Fuchs, doble campeona olímpica y vigente plusmarquista mundial. Aquel 25 de julio en el Estadio Lenin de la capital rusa, María Caridad Colón consiguió un tiro de 68'40 metros en su primer intento, que le valió la medalla de oro y un nuevo Record Olímpico.


    María Caridad Colón, campeona olímpica de lanzamiento de Jabalina en Moscú '80

    La joven de Baracoa se convirtió de esta manera en la primera mujer latinoamericana en ganar una medalla de oro en unos Juegos Olímpicos. En la actualidad María Caridad Colón trabaja aportando sus conocimientos a los más jóvenes, como profesora del Instituto Superior de Cultura Física de La Habana. Ella representa las mejores virtudes de la mujer cubana y latinoamericana, y no olvidaremos nunca que en 1980 ella ganó una medalla de oro y conquistó el corazón de toda una nación.

    Hoy recordamos con orgullo a María Caridad Colón, que es también un estímulo para ser mejores en nuestras vidas. ¡¡Gracias por lo que hiciste!! :)


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    Lloramos la pérdida de José Saramago ''/

    19 de junio de 2010


    José Saramago (1922-2010)

    El escritor portugués José Saramago, premio Nobel de Literatura en 1998, ha fallecido en su vivienda de Lanzarote a los 87 años, víctima de una leucemia crónica.

    Pasó una noche tranquila, desayunó como cualquier otro día, mantuvo una conversación con su esposa y comenzó a sentirse mal. "Murió acompañado de su familia, despidiéndose de una forma serena y plácida"

    José Saramago fue autor de obras cumbres de la literatura del siglo XX, como Memorial del convento (1982), El Evangelio según Jesucristo (1991) o Ensayo sobre la ceguera (1995). En total escribió 17 novelas y numerosos ensayos, cuentos y artículos.

    Histórico militante comunista ("No he tenido que renunciar al comunismo para llegar al Nobel"), mantuvo siempre un compromiso político de izquierdas y fue un acérrimo defensor de los derechos humanos, levantando su voz en numerosas ocasiones contra las injusticias, la Iglesia y los grandes poderes económicos, a los que veía como las grandes enfermedades de nuestro tiempo.

    "Estamos todos hundidos en la mierda del mundo y no se puede ser optimista. El que es optimista, o es estúpido, o insensible, o millonario", dijo en diciembre de 2008

    Por mi parte siempre le recordaré aquel 15 de marzo de 2003 en la Puerta del Sol de Madrid, clamando contra la inminente guerra de Irak. Me impresionaron su entereza y aplomo al dirigirse a la multitud, poniendo voz al sentimiento que todos compartíamos.

    Es sabido que todas aquellas movilizaciones de 2003 no pudieron parar la guerra, pero cambiaron la vida de mucha gente, especialmente de jóvenes que por primera vez percibimos la naturaleza maligna del imperialismo y la necesitad de combatirlo con todas nuestras fuerzas.

    Hasta siempre, José Saramago. Gran escritor, mejor persona. Honesto e íntegro. Siempre en el recuerdo.


    Sepulturas de los fallecidos en la Tragedia del Humo, en el Cementerio de Rancagua

  • Hoy recordamos que el 19 de junio de 1945 tuvo lugar una de las peores tragedias mineras de la historia, la conocida como Tragedia del Humo. Ocurrió en una mina de cobre llamada El Teniente junto al poblado de Sewell, a unos 120 km. de Santiago de Chile.

    Un incendio desencadenado en una fragua frente a una de las entradas, hizo que el humo se propagara al interior de la mina, lo que unido a las deficientes condiciones de ventilación que había, terminó con la muerte por asfixia de 355 mineros.

    Queremos expresar un recuerdo emocionado a todas las víctimas, a los supervivientes, y también a sus familiares y descendientes.


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    Loving Day, el triunfo del AMOR y de la JUSTICIA

    12 de junio de 2010


    Richard Loving y Mildred Jeter

    Un día Richard Loving, de 23 años, y Mildred Jeter, de 18, decidieron casarse. Pero había un problema: él era blanco y ella negra. Y en la Virginia de 1958 las bodas mixtas estaban prohibidas por la ley.

    Así que decidieron ir a Washington DC para casarse, y luego regresar a Virginia. Parecía una solución simple, pero las leyes de Virginia prohibían el matrimonio mixto con independencia del lugar donde se hubiera realizado. De modo que una noche, la policía irrumpió en su hogar y los metieron en la cárcel por el grave delito de estar casados.

    Hubo un juicio y los declararon culpables. Según la argumentación del juez, Dios había creado las distintas razas y las había colocado en continentes distintos, por lo que la mezcla entre ellas era algo contrario al plan divino.

    Richard y Mildred fueron condenados a penas de entre uno y tres años cárcel, pero con la opción de no cumplirla si abandonaban Virginia por un período no inferior a 25 años. Al final optaron por marcharse, pero no por ello se resignaron a la injuscia. Decidieron dar la batalla.

    Desde su nueva residencia en Washington DC y ante lo que consideraban una manifiesta injusticia, escribieron una carta al Fiscal General de los Estados Unidos, un tal Robert F. Kennedy, quien trasladó el asunto a la ACLU (Unión Americana de Libertades Civiles).

    Dos abogados de la ACLU tomaron el caso, e iniciaron un largo periplo judicial que les llevó finalmente hasta el Tribunal Supremo. Por fin, el 12 de junio de 1967 el Tribunal decidió por unanimidad que prohibir los matrimonios mixtos era inconstitucional. El caso Loving contra Virginia provocó que fueran abolidas leyes similares vigentes en otros Estados y marcó un hito en la lucha por los Derechos Civiles.


    Loving Day

    Desde entonces, cada 12 de junio se celebra en Estados Unidos el Loving Day, donde se conmemora la histórica sentencia y se reivindican las parejas mixtas.

    Richard y Mildred tuvieron tres hijos y se amaron el resto de sus vidas, hasta que un día de 1975 un conductor borracho embistió el vehículo donde viajaban. Richard falleció en el accidente, con sólo 41 años, mientras su esposa perdió el ojo derecho.

    Mildred falleció de neumonía el 2 de mayo de 2008

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    ¡¡Estamos con el Pueblo Palestino y contra la barbarie sionista!!

    1 de junio de 2010

    Manifestación en Barcelona

    Queremos mandar un abrazo muy fuerte para todos los integrantes de la Flotilla de la Libertad, víctimas de una criminal e inhumana agresión por parte del Estado sionista de Israel. Ellos son los héroes del siglo XXI y un ejemplo para los jóvenes de todo el mundo.

    En nuestro corazón están y estarán siempre las personas que han perdido la vida por defender la Libertad del Pueblo Palestino. Enviamos un abrazo fraterno para todos sus familiares y amigos. También deseamos una pronta recuperación de los heridos.

    Mencionamos también a los tres voluntarios españoles que iban a bordo, ellos representan los mejores valores de nuestro país.

    Y lo más importante, enviamos todo nuestro cariño, solidaridad y afecto para el Pueblo de Palestina, especialmente a la población que permanece prisionera en Gaza. Siempre estaremos a vuestro lado, la causa de Palestina es hoy la causa de la Humanidad, y toda agresión la sufrimos como propia. Nunca descansaremos hasta lograr el fin de la ocupación y la completa Liberación de Palestina.


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    Dennis Hopper, el último rebelde de Hollywood

    30 de mayo de 2010


    Dennis Hopper (1936-2010)

    A los 74 años, nos dejó este sábado el gran actor y cineasta Dennis Hopper, uno de los representantes del Hollywood más rebelde y contestatario, e icono de la contracultura desde que dirigiera "Easy Rider" en 1969

    Easy Rider supuso un hito imborrable que zarandeó completamente al mundo hiperconservador de Hollywood, introduciendo en el cine el espíritu de una época: "Nadie se había visto a sí mismo en las películas hasta entonces. La gente fumaba porros y tomaba LSD por todo el país pero en el cine seguían viendo a Doris Day y a Rock Hudson", confesó en una entrevista.


    Dennis Hopper y Peter Fonda en Easy Rider (1969)
    Dennis Hopper y Peter Fonda en Easy Rider (1969)



    Hopper, junto a sus amigos Peter Fonda y Jack Nicholson, se embarcó en la aventura de dirigir una road movie de bajo presupuesto y altas dósis de talento, combinando sexo, drogas, gasolina y parajes desérticos en una viaje iniciático que se reflejaba un país histérico y desfasado, repleto de contradicciones, en cuyos márgenes latía una contracultura enfrentada al poder corrupto y vicioso, diferenciada de la sociedad dominante por su capacidad crítica y su aire de cambio y evolución.

    Llena de referencias culturales de todo tipo, sus dos protagonistas se llaman Wyatt y Billy, aludiendo a los famosos Wyatt Earp y Billy "El niño". El éxito fue impresionante, y se estima que el film multiplicó por 100 la inversión inicial de apenas 500.000 dólares. Según el crítico Peter Biskind, "aquella película fue la demostración de que podías batir a la industria en su propio terreno, podías drogarte, expresarte y además, ganar dinero"

    Claro que Easy Rider no sería lo mismo sin su banda sonora, temas inolvidables como Born to Be Wild de Steppenwolf, White Rabbit de Jefferson Airplane o If Six Was Nine de Jimi Hendrix.


    Dennis Hopper en Rebelde sin causa (1955)
    Dennis Hopper en Rebelde sin causa (1955)


    Dennis Hopper
    Dennis Hopper en 1967



    Antes de Easy Rider, el nombre de Dennis Hopper iba enteramente unido al de su gran amigo James Dean. Alumno del Actors Studio como Dean, le acompañaría en el reparto de Rebelde sin causa (1955) y Gigante (1956). También intervino en clásicos del western como "Duelo de titanes" (1957) o "Los cuatro hijos de Katie Elder" (1965)

    Tras Easy Rider, la carrera de Hopper prometía mucho, pero el estrepitoso fracaso de su segundo film The Last Movie (1971), ambientada y rodada integramente en Perú (concretamente en la región de Cuzco) le condenaron al ostracismo durante bastantes años.


    Dennis Hopper en The Last Movie (1971)
    Dennis Hopper en The Last Movie (1971)


    Dennis Hopper y Martin Sheen en Apocalise Now (1979)
    Dennis Hopper y Martin Sheen en Apocalise Now (1979)



    Por si fuera poco, las adicciones agravaron su descenso a los infiernos, llegando a necesitar treinta cervezas diarias y tres gramos de cocaína sólo para funcionar. Sólo al final de la década encontró algo de luz con su rol secundario en la inolvidable Apocalipse Now (1979) de Coppola, donde era al fotógrafo hippie y medio loco que adoraba al Coronel Kurtz.

    En 1983 entró en una clínica de desintoxicación y su vida personal y profesional pareció asentarse relativamente, si bien su carácter difícil le siguió causando problemas, sobre todo con las mujeres (se casó cinco veces), ninguna de las cuales le aguantaba demasiado.

    En 1986 hizo otro de sus papeles destacados como el psicópata de Terciopelo azul. David Lynch preparaba el rodaje cuando el guión cayó en las manos de Hopper, quien no tardó en llamr al director: "David, tienes que darme el papel de Frank Booth... ¡Porque yo soy Frank Booth!". Y lo consiguió, claro...


    Dennis Hopper e Isabella Rossellini en Terciopelo Azul (1986)
    Dennis Hopper e Isabella Rossellini en Terciopelo Azul (1986)



    Gene Hackman y Dennis Hopper en Hoosiers, más que ídolos (1986)



    La carrera de Hopper es una endemoniada montaña rusa; una colección de filmes de culto mezclados con películas malísimas, algún que otro taquillazo y fracasos impresionantes. Pocas filmografías son tan contradictorias, originales... y divertidas.

    Su caracter anti-establishment no impidió que tuviera incluso una nominación al Oscar como mejor actor secundario. Fue por su trabajo en Hoosiers, más que idolos (1986), una de esas películas de "superación" típicas de los ochenta, en este caso ambientada en el mundo del baloncesto "high-school" y donde interpretaba a un alcohólico, un rol que sin duda no le era desconocido.

    En los ochenta dirigió dos películas. La original y muy estimable Caído del cielo (1980), calificada en su día por la crítica como "el último film de la era punk-rock"; y Colores de Guerra (1988), drama policiaco ambientado en Los Angeles con la delinciencia juvenil como telón de fondo. Ya en los noventa, sus esporádicos trabajos tras la camara pasarían con más pena que gloria, renunciando incluso a aparecer en los créditos de Camino de retorno (1990)


    Dennis Hopper y Sandra Bullock en Speed (1994)
    Dennis Hopper y Sandra Bullock en Speed (1994)


    Dennis Hopper

    Aunque no dejó de trabajar hasta casi el final de su vida, a nivel popular su último papel importante fue el villano de Speed (1994), aquella película tan entretenida sobre un autobús que llevaba una bomba en los bajos, y que para evitar que explotara no podía reducir su velocidad... Luego sería imitada hasta la saciedad.

    Las inquietudes artísticas de Hopper iban más allá del cine, interesándose por la fotografía y el arte moderno, tanto en la faceta de pintor como de coleccionista. Entre sus amistades estaba gente como Jasper Johsn, Andy Warhol o David Hockney.


    Dennis Hopper

    El pasado 26 de marzo recibió su estrella en el Paseo de la fama de Hollywod. En la ceremonia, un Hopper visiblemente desmejorado pero de muy buen humor, estuvo acompañado de viejos amigos como Jack Nicholson. "Todo lo que he aprendido en mi vida lo he aprendido de ustedes y del maravilloso mundo por el que viajé y vi", dijo entonces Hopper. "Este ha sido mi hogar y mi escuela. Y los amo a todos ustedes. Yo sólo quiero darles las gracias. Esto significa mucho para mí, y muchas gracias a todo el mundo"

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    La preciosa voz de Lena Horne

    12 de mayo de 2010


    Lena Horne (1917-2010)

    Con la muerte de Lena Horne se ha ido una de las grandes estrellas del jazz y una artista polifacética y comprometida. Cuando Lena Horne empezó a cantar en el Cotton Club allá por los años 30, los negros podían actuar allí, pero no entrar como clientes. En 1940 fue la primera afroamericana en hacer una gira con una orquesta multirracial. Poco después firmaría un contrato de larga duración con la mayor compañía de Hollywood: la Metro Goldwyn Mayer.

    Alcanzó su mayor éxito en el cine con Tiempo de tormenta (Stormy Weather, 1943), un musical cuyo reparto estaba formado casi integramente por afroamericanos. Inolvidable Lena Horne cantando el tema que da título a la película. Inolvidables también Fats Waller con su Ain't Misbehavin' o Cab Calloway con Jumpin' Jive







    Fue víctima de la discriminación racial, y su color de piel condicionó siempre sus posibilidades en el cine. En Hollywood faltaba mucho para que una actriz afroamericana compitiera en igualdad de condiciones con sus compañeras de piel blanca. Esta fue la razón de que no le dieran el papel de Julie LaVerne en la nueva versión de Show boat (1951) que finalmente haría Ava Gardner, que ni siquiera sabía cantar.

    Lena Horne no ocultó nunca sus ideas progresistas y de izquierdas, convirtiendose en una intrépida activista en favor de la igualdad racial. Era muy amiga del gran cantante y activista Paul Robeson, quien influyó notablemente en su visión política. Rechazaba cantar en locales donde se ejercía la segregación racial y sus protestas hicieron incluso que fuera incluida en las "listas negras" durante el terror macartista de los años 50.







    Con el paso de los años abandonó el cine para centrarse en su carrera musical. En 1957 su disco Lena Horne at the Waldorf Astoria fue uno de los más vendidos de ese año. También actuó en musicales de broadway como Jamaica (1958), por el que recibió una nominación a los Premios Tony, e intervino en los programas televisivos de mayor audiencia. Aquí sale repasando el abecedario con los muñecos de "Barrio Sésamo":





    En 1978 se despedidió del cine interpretando a Glenda, la bruja buena del El mago, fallida versión de "El Mago de Oz" con Diana Ross y Michael Jackson...

    En 1980, protagonizó el espectáculo teatral Lena Horne: The Lady and Her Music, que permaneció más de un año en cartelera. La revista "Newsweek" dijo que era la actuación más impresionante que habían visto en Broadway desde hacía varios años.

    Cuando en 2002 Halle Berry se convirtió en la primera mujer afroamericana en ganar el Oscar a la mejor actriz principal, su discurso entre sollozos comenzó así: “Este momento me excede. Este momento es para Dorothy Dandridge, Lena Horne, Diahann Carroll... Y es para las mujeres de color anónimas, cuyas caras y nombres aún no conocemos, que ahora tienen una oportunidad porque esta noche se abrió una puerta”

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    ¡¡Un abrazo para tod@s l@s trabajador@s del mundo!!

    1 de mayo de 2010


    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    El capital es trabajo muerto que, al modo de los vampiros, vive solamente chupando trabajo vivo, y vive más cuanto más trabajo chupa

    Karl Marx


    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    El trabajo es anterior a, e independiente del capital. El capital es sólo el fruto del trabajo, y nunca hubiera existido si el trabajo no hubiera existido primero. El trabajo es superior al capital, y merece una más alta consideración

    Abraham Lincoln


    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    Siempre que te pregunten si puedes hacer un trabajo, contesta que si y ponte enseguida a aprender como se hace

    Franklin Delano Roosevelt


    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s

    1º de Mayo - Día de l@s Trabajador@s



    Escuchando Mourning Tree, Leaves' Eyes

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