REM en Gijón

31 de mayo de 2005


Michael Stipe, REM

Gijón escribió ayer otra página de su particular y dilatada historia de grandes acontecimientos musicales con el concierto de REM. En el hipódromo de Las Mestas que reunió a más de 16.000 espectadores, la banda formada en Georgia completó la segunda escala española dentro de su gira mundial de presentación del disco 'Around the Sun'. Fue el concierto del centenario del Real Sporting.


Michael Stipe, REM

Eran las 22.36 horas, cuando la cara pintada de Michael Stipe y su escueta figura se plantaron sobre las tablas del recinto deportivo. REM arrancó con 'I Took my Name' y fue entrando en harina. El sonido, atronador al principio, fue poco a poco mejorando y Stipe, Mike Mills y Peter Bucks entraron en calor de la misma manera que lo hacía el público. En total, deleitaron a sus seguidores en su concierto en Asturias con 18 temas, el último de ellos 'Losing my religion'. Claro que después aún vendrían seis bises, comenzando por 'Invitation of Life', con camiseta del Sporting, y acabando con su clásico 'Man on the moon'. En total, nada menos que 24 canciones para una noche llena de magnetismo. Al final, se ganaron al público y dejaron ganas de más. Todo indica que pronto volverán.


REM


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Campaña para legalizar el aborto en Argentina

28 de mayo de 2005


Aborto Sí

Se lanza hoy en Argentina, y por seis meses, una campaña nacional por la despenalización y legalización del aborto. El lanzamiento coincide con el "Día Internacional de Acción por la Salud de las Mujeres" y su cierre, el 25 de noviembre próximo, con la conmemoración del "Día de Acción contra toda Violencia hacia la Mujer", cuando una marcha federal lleve al Congreso de la Nación las firmas recolectadas durante la campaña a favor del aborto legal, seguro y gratuito.

Cerca de 30 organizaciones no gubernamentales nucleadas en la red "Mujeres Autoconvocadas de Rosario" impulsan la actividad, cuyo lema vuelve a ser "Educación Sexual para Decidir, Anticonceptivos para no Abortar, Aborto Legal para no Morir".

"La clandestinidad del aborto no impide su realización, sino que sólo aumenta los riesgos y atenta contra la dignidad de las mujeres y toda la sociedad. No queremos ni una sola muerte más por abortos clandestinos", afirmaron ayer las organizadoras.

La campaña coordinará distintas acciones y actividades en todo el país, pero su objetivo de mayor aliento es recolectar firmas a favor de que la práctica del aborto no sólo sea despenalizada, sino también legalizada. Es más, la recolección de firmas ya empezó ayer con una mesa instalada en la plaza Montenegro, donde las organizadoras también entregaron unas cintas verdes que identifican la lucha por la legalización del aborto.

En Buenos Aires, en tanto, un nutrido grupo de mujeres se concentró en Avenida de Mayo y Perú, donde también entregaron cintas verdes y desplegaron un pasacalle con el lema "Ni una muerte más por aborto clandestino".

Distintas organizaciones feministas y nucleadas en torno a la problemática de género en Rosario figuran entre las principales impulsoras de la campaña. "En realidad, la primera gran movilización a favor de la despenalización del aborto se hizo en Rosario hace dos años, al término de un encuentro nacional de mujeres" , recordó la abogada de Indeso Mujer, Mabel Gabarra, una de las entidades que ahora promueve la campaña.

Aunque la recolección de firmas en todo el país por un "aborto legal, seguro y gratuito" aparece como el objetivo consensuado más importante de la campaña, habrá otras actividades coordinadas en distintas ciudades, como talleres, charlas, jornadas y solicitadas.



"Yo aborté"

En el caso de Rosario las agrupaciones de mujeres vienen encarando actividades con un objetivo similar desde hace tiempo. Por ejemplo, la campaña pública "Yo aborté", lanzada en febrero pasado por la ONG Rima, en cuya página web aparecen ya más de 60 testimonios de mujeres que relatan sus experiencias.

"La verdad es que fueron muchas las que se animaron a dar cuenta de lo que vivieron y eso movilizó bastante, incluso ya hay mujeres chilenas que también nos están mandando sus experiencias y quieren compartir la página", contó una de las coordinadoras de Rima, Irene Ocampo.

También la diputada socialista Lucrecia Aranda, que participa del grupo Mujeres Autoconvocadas de Rosario, resaltó las actividades que las entidades feministas realizan desde hace años en la ciudad y que ahora participan activamente en esta campaña nacional.

"El grupo Mujeres Autoconvocadas surgió hace poco más de un año bajo la premisa de mantener en la calle la problemática", recordó la legisladora, para subrayar que "las declaraciones del ministro de Salud de la Nación (Ginés González García) sobre la necesidad de que la sociedad debata el tema de la despenalización del aborto, volvió a abrir la discusión".

En la campaña que se lanza hoy confluyen más de 70 agrupaciones pertenecientes al movimiento feminista, el movimiento de mujeres, el sector académico y organizaciones gremiales y sociales de todo el país. También, y aunque no forma parte de la organización, el Area de la Mujer de la Municipalidad adhiere al programa.

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Entrevista a Ken Loach


Ken Loach


"Las películas permiten plantear preguntas, suscitar inquietudes, pero el cambio lo originan movimientos políticos organizados"


Chema Castillo


El pasado mes de enero El Ateneo Obrero de Gijón tuvo el acierto de realizar una retrospectiva sobre la obra del director británico Ken Loach. Con dicho motivo se proyectaron las películas Mi nombre es Joe (My name is Joe, 1998) , Lloviendo piedras (Rainig stones, 1992) , Dulces dieciséis (Sweet sixteen, 2002) y La cuadrilla (Navigators, 2001) , una selección realizada por el propio director. En una ciudad sometida a un proceso de privatización radical de su estructura productiva la visita de Ken Loach no es la de un extraño: sus películas han apartado elementos de reflexión desde otras realidades similares. Su presencia en la ciudad nos permitió esta entrevista.


- Sus películas son siempre un trozo de vida amarga. ¿Tan dura es la realidad?

- Mis películas son reflejo de la vida misma donde se da tanto la comedia como la tragedia. Sería poco realista eliminar alguno de estos componentes. La comedia, por otro lado, puede ser la mejor forma de resistencia social. Por ejemplo, rodamos "Navigators" en el momento en que se privatizaban los ferrocarriles británicos. Algunas de las cosas que ocurrieron resultaban graciosas y hasta estúpidas: se destruyeron algunas de las mejores máquinas para que la competencia no se hiciera con ellas. Obreros que habían sido compañeros de trabajo durante muchos años eran invitados a abandonar la reunión por si hubiera algún secreto industrial que se pudiera filtrar. Gente que se dedicaba a reparar las vías del tren se convertían, de la noche a la mañana, en James Bond con secretos industriales entre manos y vigilantes del peligro de espionaje. La parte seria es que los ferrocarriles tras el proceso de privatización dejaron de ser tan seguros y la gente que había tenido un puesto de trabajo permanente se convirtió en temporeros. Así que la privatización invita tanto a la risa como al llanto.


Agenda Oculta (1990)

- Esta ciudad, y Asturias, vive una situación muy semejante a la experimentada por la clase obrera de Gran Bretaña. Las privatizaciones y el cierre de empresas fueron una constante en las últimas décadas. Sus películas nos han dado motivos de reflexión...

- Como se muestra en Sweet sixteen, rodada en una ciudad de Escocia que vivía de los astilleros, las privatizaciones y cierres supusieron que tres generaciones de trabajadores no conozcan la experiencia del trabajo. La economía de mercado deja tras de sí un desierto. Actualmente, la mayor industria existente en esa ciudad es la venta de drogas... y los solariums. La ironía es que en esa ciudad las personas son blancas como la leche; una cuarta parte de la población tiene ahora un moreno espectacular. La parte seria del asunto es que la destrucción de los astilleros es la destrucción del trabajo y la destrucción de la comunidad.


- Su cine es un cine muy pegado a la realidad y a los problemas de la gente sencilla. ¿Qué impacto cree que tiene?

- Tiene un impacto limitado. Soy realista. Nunca me he hecho ilusiones sobre la capacidad del cine para cambiar las cosas. Las películas permiten plantear preguntas, suscitar inquietudes, pero el cambio lo originan movimientos políticos organizados. Cuando estos movimientos crecen, la cultura puede crecer con ellos. Eso espero lograr con mis filmes. Las películas no cambian el mundo pero si pueden generar inquietudes... y sería suficiente.


Sweet Sixteen (2002)


- Su cine de compromiso se enfrenta cada vez más a una industria que apuesta por la factoría de sueños y el entretenimiento. ¿Qué futuro nos espera?

-Ignoro la respuesta. Bueno, en Europa hay una tradición cinematográfica que es importante conservar. En Estados Unidos hay una tradición comercial basada en la industria de Hollywood y donde el negocio es el centro. Si no perteneces a esa industria estás perdido. En Europa existe una tradición diferente, más vinculada a fenómenos nacionales, a asuntos del corazón y la mente. Hay un cine diverso, francés, italiano, español... y no importa tanto el dinero. Desde mi punto de vista, mientras que se puedan hacer películas, aunque sea con un presupuesto limitado y una pequeña ganancia, tendremos espacio para seguir trabajando.

Por otro lado, es esta una cuestión política. Debemos trasladar nuestras demandas a los políticos europeos para que la cultura cinematográfica europea, encarnación de su diversidad cultural, tenga una defensa en ese campo. En las negociaciones y tratados entre Europa y Estados Unidos estos siempre plantean la eliminación de los subsidios al cine. Y debemos ir en la dirección opuesta: defendernos ante las pretensiones de la industria estadounidense. El presupuesto en marketing de una gran producción norteamericana es tres veces mayor que el presupuesto total de una película rodada en Europa. No se está jugando con las mismas reglas.


-Se estrena en España "Un solo beso", su última película, basada en las relaciones amorosas de un paquistaní y una católica. Háblanos de ella.

- "Un solo beso" aborda las relaciones interculturales desde un ángulo familiar. Es un problema típico de la segunda generación. Como cualquier comunidad inmigrante en cualquier país, hay una tendencia a mantener la identidad y las raíces del lugar de procedencia. La religión es uno de los rasgos propios que se erigen en símbolo aglutinante y de unidad de la comunidad y de la identidad. Pero los hijos viven también una vida paralela fuera del ámbito familiar. Los hijos viven en otra sociedad, tienen amigos blancos, católicos, protestantes ... y no tienen esos lazos con la cultura anterior. No es una película sobre el racismo sino sobre la situación dinámica, cambiante, de los descendientes de los inmigrantes de ayer. El conflicto entre actualidad y tradición protagonizado por dos jóvenes de distinta procedencia.


- No parece este un buen momento para las relaciones interétnicas y especialmente respecto a las personas de tradición islámica.

- La experiencia en Gran Bretaña muestra que las personas tienen una tendencia natural a vivir juntas, a ser tolerantes y a colaborar. Por ejemplo, el barrio donde se rodó esta película, en Glasgow, la mayoría de las personas son de origen paquistaní, llegadas hace ya 30 ó 40 años. Cuando llegaron eran personas pobres, sin trabajo, realizaron las actividades menos remunerados, como el transporte o la limpieza. Contribuyeron de manera muy importante a la sociedad y pese a que al principio sufrieron la discriminación, gradualmente, con los años, el rechazo se ha ido eliminando. Desde el 11 de septiembre, una comunidad establecida, que era respetada, experimentó el acoso y el ataque al considerar a sus miembros como terroristas potenciales. Incluso los shijs, que no son musulmanes, fueron atacados por sus rasgos faciales y sus vestimentas. Todo lo conseguido a través de años de convivencia ha experimentado un retroceso tras los ataques a las Torres Gemelas. Conversé con una chica que había sido atacada en público, quitándole el shari violentamente, para humillarla.

La convivencia puede tener problemas por el empeño de Estados Unidos y el Reino Unido por fomentar guerras ilegales, generalmente contra países musulmanes. Este tipo de acciones van a tener consecuencias. Recibimos constantemente informaciones sobre el fundamentalismo islámico, el terrorismo islámico, el extremismo islámico y los medios de comunicación establecen un vínculo entre esos extremismos y las fuerzas de resistencia en Iraq. En las noticias da la impresión de que estamos combatiendo el islamismo. La distorsión puede ser grave. Si además se dan circunstancias de paro y pobreza, la derecha va a intentar culpabilizar a los que tienen creencias diferentes o rasgos físicos diferentes. Estos dos factores pueden corromper la normal convivencia. Pese a ello, creo que la gente va a tender a vivir en paz.


- ¿Qué película española ha visto últimamente?

- "Abre los ojos" de Icíar Bollaín. Muy humana. Muy bien hecha.


Y la entrevista se cierra con una felicitación que ya había hecho pública en la presentación de Un solo beso durante el Festival de Cine de Valladolid y que transcribimos textualmente: "Quiero felicitar a España por dos cosas. Por haber echado al señor Aznar y por haber sacado las tropas de Iraq. En Inglaterra estamos deseando hacer lo mismo". Pues que así sea.

Billy Wilder sostenía que si tienes un mensaje que enviar lo correcto era acudir a la oficina de correos. Esperamos que Ken Loach nos siga mandando los suyos como nos tiene acostumbrados.


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Maravillas del Mundo

27 de mayo de 2005


El Coloso de Rodas

El Faro de Alejandría

Muy bueno este sitio con reconstrucciones informáticas de las siete maravillas del mundo antigüo.



M*A*S*H*

  • Para nostálgicos, Caratulas de películas en super8.



    Liverpool, ganador de la Champions League 2005

  • El Liverpool ganó su Quinta Copa de Europa


    When you walk through a storm
    Hold your head up high,
    And don't be afraid of the dark.
    At the end of a storm,
    There's a golden sky,
    And thesweet silver song of a lark.

    Walk on through the wind,
    Walk on through the rain,
    Though your dreams be tossed and blown...
    Walk on, walk on, with hope in your heart,
    And you'll never walk alone,
    You'll never walk alone.

    Walk on, walk on, with hope in your heart,
    And you'll never walk alone...
    You'll never walk alone.




    Escudo del Liverpool



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    Fútbol y Ciencia


    Einstein - Relatividad

    Se pueden hacer muchas cosas para entender la ciencia. Sólo hace falta un poco de inquietud y un mínimo de preocupación. Una manera, nada desdeñable de hacerlo es leer mis artículos al respecto. Pero mi mentalidad científica sería un fraude si no os aconsejara a divulgadores de talla muy superior a la mía. Se me ocurren varios nombres: Isaac Asimov, Carl Sagan, Richard Dawkins y Felipe González. El último tiene interés para comparar lo que es intentar explicar las cosas con lo que es intentar manipular los hechos.

    El noventa por ciento de los potenciales lectores de este artículo habrán corrido a la librería más cercana para adquirir cualquier libro de los autores anteriormente citados, lo cual haría bajar enormemente mi motivación, si no fuera porque el noventa por ciento de cero sigue siendo cero. Así que sigo a lo mío y voy a explicar cómo se puede comprender parte del funcionamiento de la ciencia de una manera tan insospechada como es viendo partidos de fútbol.

    Fue el Premio Nóbel de Física Richard Feynman quien dijo que intentar descubrir las leyes de la física era como tratar de comprender las reglas del ajedrez solamente viendo partidas. Pero, para no repetirle, prefiero adaptar el ejemplo al fútbol. Podemos comparar la mejora del conocimiento de la fuerza de la Gravedad a lo largo de la Historia con el proceso de aprendizaje de las reglas del fútbol viendo partidos.

    Imaginemos que comenzamos a ver el primer partido de fútbol de nuestra vida, se puede comparar con cuando los primeros humanos poblaron el planeta. En aquel tiempo todo era nuevo y extraño. Tan nuevo y extraño como para nosotros supondría el deporte del balompié si no tuviéramos idea de lo que es. Comprobaríamos algo al principio, y es que hay 23 individuos en un rectángulo de césped golpeando una esfera con el pie.

    Los primeros humanos se hallaban en un estado igual de primario en cuanto a la comprensión de la Gravedad. Podían saber que los cuerpos caían hacia abajo, y que el Sol, la Luna y las estrellas giraban alrededor por encima de ellos, en el cielo. Poco más para empezar.

    Rápidamente evoluciona el partido y vemos que hay dos equipos de 11 jugadores, cada uno de ellos con un integrante muy peculiar, que viste distinto y coge el balón con las manos. También a esta altura hemos comprendido que el personaje número 23 no interviene en el juego, sino que maneja un silbato y da órdenes a los demás, casi todas ellas protestadas.


    Einstein - Relatividad

    Esto podría equivaler al estado de los antiguos griegos en su conocimiento de la gravedad, quienes tras mucho observar el cielo habían llegado a predecir los movimientos de los objetos celestes, y tenían alguna especulación primaria acerca de la causa por la que los cuerpos caen hacia la tierra.

    Tal vez el primer partido no veamos ningún gol, pero ya estaremos en condiciones de entender mucho de lo básico, como que el balón no puede salir del rectángulo de juego, que el portero no puede jugar con la mano fuera del área, y que no vale pegar patadas a los rivales para hacerse con la esfera.

    Aún habrá reglas que no entendemos, pero aproximadamente estos avances fundamentales se dieron en le Renacimiento, cuando Copérnico, Galileo y Kepler fueron sucesivamente comprendiendo las reglas que rigen la Gravedad. Llegaron a la conclusión de que la Tierra no está en el centro del Universo, sino que gira alrededor del Sol en una órbita elíptica. Además por esa época se comprendió que dos cuerpos caen a la misma velocidad a la tierra independientemente de su peso.

    Después de ver suficiente número de partidos llegaremos a dominar lo más complicado del fútbol, como entender la regla del fuera de juego, o distinguir porqué unas faltas se lanzan directamente a la portería contraria mientras en otras es obligado pasar el balón a un compañero. Pensaremos que sabemos de sobra de fútbol, y no dudaremos en debatir acaloradamente con quien haga falta.

    En ese estado se hallaban los conocimientos acerca de la Gravedad tras Isaac Newton. Su Ley de la Gravitación Universal hacía predicciones precisas sobre cualquier fenómeno gravitatorio, desde los movimientos celestes hasta el cálculo de trayectorias de balas de cañón. Sin embargo, con el paso de los siglos se comprobó cómo había observaciones que no cuadraban.

    Podemos estar toda una vida viendo fútbol sin observar “sucesos extremos”, como que un balón, justo cuando va a entrar en la portería, golpee una paloma que pasa volando por allí y rebote hacia fuera. O que un delantero reviente el balón y este cruce desinflado la meta contraria. Si esto ocurriese, nos preguntaríamos si valen los goles o no, y asumiríamos que no conocemos aún las leyes del fútbol a la perfección.

    Del mismo modo, con la mejora de los instrumentos de medición y observación se vio que la Ley de Gravitación de Newton, y por tanto el conocimiento de la Gravedad no era tan precisa en sucesos extremos. Hubo que esperar a Einstein, quien con la Relatividad General daba respuesta las dudas que habían surgido.

    Y en ese estado nos hallamos en la actualidad. Ya dominamos las reglas del fútbol a la perfección, y también creemos que las de la Gravedad se hallan bajo control. Sin embargo, nos gustaría unificar esas nociones con otros campos del conocimiento, para tener un dominio más profundo del fútbol por un lado y del Universo por otro.

    Tal vez en fútbol nos gustaría entender todo lo que sucede alrededor del partido, incluyendo porqué hay entrenadores tan defensivos en los banquillos, porque hay algunos espectadores tan incivilizados o porqué David Beckham, habiendo demostrado tan poco en el Real Madrid, hace tantos anuncios en la tele. Para ello no basta con el conocimiento profundo del reglamento del fútbol. Hay que buscar otro tipo de explicaciones.

    En cuanto a la gravitación, nos gustaría unificarla con el conocimiento de las otras tres fuerzas físicas, la nuclear fuerte, la nuclear débil y la electromagnética. Querríamos una teoría unificada entre la que nos explica una y la que nos esclarece las otras tres. Sería la llamada Teoría Final, que serviría para comprender los fenómenos físicos en su totalidad. Esa Teoría aún no se ha alcanzado, y sobre ella hablaremos próximamente.



    Aristarco el Bolchevique (Alejandría Revolucionaria)


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    Los fraudes de la concertada

    25 de mayo de 2005


    Los colegios concertados recurren a métodos ilegales para cobrar sus servicios, burlan la ley para negar la matrícula a inmigrantes y clases humildes y discriminan según el sexo


    Carlos Martínez (rebelion.org)


    La oligarquía católica de este país está continuamente exteriorizando su malestar por diferentes decisiones que ha tomado el gobierno del PSOE, sin embargo desde la acomplejada socialdemocracia no se suele denunciar la impunidad con que la Iglesia está incumpliendo el Acuerdo entre la Santa Sede y el Estado Español de 1976 ni el continuo fraude cometido por sus centros escolares concertados.

    Una de las lacras de nuestra constitución es el reconocimiento, con el máximo rango, de la libertad pública para crear centros docentes, aunque en el mismo artículo 27 se apostillase que esa libertad quedaba limitada por el “respeto a los principios constitucionales”. Esta fue una más de las concesiones de la izquierda en la llamada “transición”. Se trataba de algo irrenunciable para la derecha española, que siempre se ha significado por su fundamentalismo católico, al contrario, por ejemplo, de la mayoría de derechas europeas, donde la escuela laica y pública es la norma y no la excepción.

    Sin embargo no basta con que tengan sus propios centros de adoctrinamiento, donde los hijos de las elites cursan sus estudios, sino que además tienen que estar pagados con dinero público. El sistema de escuela pública concertada fue otro de los grandes, y frecuentes, errores de la administración de Felipe Gonzalez, de esta forma el estado se ahorró hacer grandes inversiones en nuevos centros pero quedó hipotecado el sistema de enseñanza obligatoria.

    La Ley Orgánica 8/1985, de 3 de julio, Reguladora del Derecho a la Educación reguló en su título cuarto los llamados “centros concertados”. En sus primeros artículos la citada norma dispone que “Los centros concertados se considerarán asimilados a las fundaciones benéfico-docentes a efectos de la aplicación a los mismos de los beneficios, fiscales y no fiscales”, continua ordenando que “El régimen de conciertos que se establece en el presente Título implica, por parte de los titulares de los centros, la obligación de impartir gratuitamente las enseñanzas objeto de los mismos.” , previene que “las actividades escolares complementarias y las extraescolares y los servicios escolares no podrán tener carácter lucrativo. El cobro de cualquier cantidad a los alumnos en concepto de actividades escolares complementarias deberá ser autorizado por la Administración educativa correspondiente” , terminando por advertir que “las actividades escolares complementarias extraescolares y los servicios escolares de los centros concertados, que en todo caso tendrán carácter voluntario”.


    ¡¡A los fachas ni agua!!

    Sin embargo no hay nada más que acercarse a cualquier publicidad de estos centros para ver que infringen la ley con total descaro ya que advierten de los precios por estudiar en ellos, cuando la ley es clara y tajante. Por ejemplo se puede visitar la página http://aula.elmundo.es/aula/especiales/2005/100colegios/index.html y ver como se exponen sin ningún rubor los precios de sus servicios. ¿Cómo se cobran estos servicios? De varias maneras: una es imponer una cuota muy alta de Asociación de Padres de Alumnos y luego que esta asociación transfiera directamente la recaudación a la entidad titular del colegio. Otra es establecer precios muy por encima del mercado al transporte de alumnos y las actividades extraescolares. Según la revista Consumer los colegios privados cuestan a los padres tres veces más que los públicos.

    El artículo sesenta y dos de la ley reguladora dice que “Son causa de incumplimiento del concierto por parte del titular del centro las siguientes: Impartir las enseñanzas objeto del concierto contraviniendo el principio de gratuidad. Percibir cantidades por actividades escolares complementarias o extraescolares o por servicios escolares que no hayan sido autorizadas por la Administración educativa o por el Consejo Escolar del centro, de acuerdo con lo que haya sido establecido en cada caso”. Norma que no ha llegado a aplicarse ni una sola vez, que tengamos noticia, desde su entrada en vigor, cuando hemos visto que es público y notorio su incumplimiento.

    Pero a la elite fundamentalista no le basta la barrera económica para disgregar totalmente sus hijos de los del resto de ciudadanos. Según la citada norma la admisión del centro se regirá por las normas que las escuelas públicas. Sin embargo los niños inmigrantes y los de las clases sociales más bajas se hacinan en las aulas de los centros públicos. ¿Cómo se consigue esto?

    En muchos colegios para la admisión de alumnos se concierta una entrevista previa con los padres y cuando estos no cumplen el “perfil del centro” se “recomienda” que no intente matricular en el centro a su hijo ¿quién va a querer matricular a su hijo en un colegio donde no va a ser bien recibido? Tenemos que recordar el conflicto entre una religiosa (que llevaba el velo como todas las monjas) y una niña musulmana que llevaba el velo propio de su cultura. Al final, el centro católico logró lo que quería expulsar a la niña a un centro público. El propio Oficina del Defensor del Pueblo y el Comité Español de UNICEF han elaborado un informe sobre "La escolarización del alumnado de origen inmigrante en España: análisis descriptivo y estudio empírico", en dicho informe se recoge que el 79,7% de estos alumnos están matriculados en centros públicos, frente a un 20,3% que estudian en colegios concertados, y su peso porcentual en relación con el total del alumnado es del 2,22%. Lo mismo cabe decir de los niños y niñas de la etnia gitana o con discapacidades físicas, psíquicas o sensoriales.

    Hay colegios especialistas en este tipo de filtrado de alumnos, en este caso de alumnas, el colegio Guadalaviar de Valencia que depende del Opus Dei, solo admite niñas en su colegio, se puede consultar su página web: http://www.colegioguadalaviar.es/home.htm como para admisión e información tiene que solicitarse cita previa. A pesar de ser un colegio disgregador y vulnerador de principios constitucionales básicos, es un centro concertado y, por tanto, subvencionado.

    Si no sirviera este tipo de filtrado previo, el colegio, a través del consejo escolar, debe baremar las solicitudes de admisión al centro. Dos de los aspectos más valorados son la renta y la proximidad geográfica. Los centros concertados aconsejan a los padres que son de su doctrina los trucos para evitar estos criterios objetivos. Sobre el empadronamiento les advierten que pueden empadronar a sus hijos en la casa de un amigo o familiar, sin que pregunten nada en el ayuntamiento ni les suponga ulterior perjuicio. Para evitar no obtener puntuación por sus rentas elevadas les aconsejan que en los primeros días del período para presentar la declaración de renta presenten una que declare unos ingresos mínimos, esta copia sellada será la que se presentará al colegio mientras que, posteriormente, dentro del período hábil se presentará en Hacienda una declaración complementaria y verídica que impedirá la sanción del fisco.

    Aún así, teniendo una doble vía de financiación, sus profesores y trabajadores están peor pagados que los de la escuela pública, y sometidos a la esclavitud moral de tener que llevar una vida privada de acuerdo con el ideario del centro. Un mundo más igual y más justo no puede crearse mediante la disgregación de los niños desde su nacimiento, así la llamada “igualdad de oportunidades” no es más que otra mentira más impuesta desde la cultura dominante. Cultura plenamente asumida por aquellos que dicen ser los sucesores de aquel que se llamaba Jesús y que dijo que “antes entraría un rico en el reino de los cielos que un camello por el ojo de la aguja”. Habrá que reforzar esta lección en los colegios concertados.


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    Los "lunnis" socialistas


    Lunnis

    El PP dice que el Gobierno utiliza a los Lunnis en su favor


    Los ‘populares’ acusan a la directora de RTVE de lanzar mensajes políticos a través de la programación infantil

    Tensa sesión la que se ha vivido esta mañana en la Comisión de Control de RTVE en el Congreso de los Diputados, donde la directora general del ente público, Carmen Cafarell, ha sido acusada por el Partido Popular de “utilizar la programación infantil para lanzar mensajes del PSOE”.

    Los populares se han hecho eco esta mañana de la polémica que se ha desatado en ciertos sectores por la inclusión de una boda entre homosexuales en el programa infantil de mayor éxito de la televisión pública, los Lunnis, la semana pasada.

    La diputada ‘popular’ Macarena Montesinos ha aprovechado esta situación para acusar a Cafarell de utilizar la programación infantil para ponerse al servicio del Gobierno. “A lo que se está dedicando, hasta en la programación infantil, es a lanzar los mensajes que el Partido Socialista quiere que le coloque”.

    Montesinos ha aventurado un futuro en el que los personajes de este programa comentarán “lo maravilloso que es vivir en pisos de 60 metros cuadrados” (sic) o "deberíamos acabar con el Pacto Antiterrorista" y "que bien lo está haciendo el Gobierno respecto a las negociaciones” con ETA.

    En esta ocasión, a la directora general de RTVE se le ha notado un poco más molesta que en ocasiones anteriores, con las continuas críticas y descalificaciones recibidas por los ‘populares’ desde que hace un año asumiera el cargo. Cafarell ha acusado al Partido Popular de “mentir, sin ningún reparo en sede parlamentaria", de forma "tenaz" y haciendo uso "de los confidenciales de extrema derecha que circulan por internet".


    ¿Por qué en este país no podemos tener una derecha normal?

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    La censura en el cine americano

    24 de mayo de 2005


    CENSURA

    Se suele tener la idea de que la censura es algo que los políticos, la iglesia, el ejército, los grupos de presión u otros colectivos represores totalmente ajenos al cine imponen sobre los directores, guionistas y productores. Esto fue así en Europa y sigue siendo así en muchos países del mundo, a veces también europeos, con una importante excepción: los Estados Unidos. Allí siempre ha sido la propia industria la que se ha autorregulado y autocensurado. La clasificación de películas (para todos los públicos, mayores de 13 años, mayores de 18, etc.) no la llevan a cabo los ministerios de cultura como ocurre en Europa, sino la MPAA (Motion Picture Association of America)



    EL CÓDIGO HAYS DE CENSURA

    La MPAA fue creada en 1922 por los grandes estudios de Hollywood, ante las demandas de censura de los sectores reaccionarios de la sociedad por los contenidos de las películas, y también por los escándalos relacionados con la vida privada de los actores del cine mudo, que superaban con mucho en cuanto a promiscuidad, orgías, consumo de drogas y demás "disipación" a las, en comparación, bastante más mojigatas estrellas del cine actual. La propia industria decidió autorregularse y crear un código de producción que decía qué podía y qué no podía verse en las películas. Dicho código, creado por uno de los líderes del partido republicano de la época, Will H. Hays, cabeza visible de la MPAA, se conoció como Código Hays y la propia MPAA pasó a conocerse popularmente como oficina Hays.

    Entre otras cosas, el Código Hays prohibía cualquier mención en una película a temas como el tráfico de drogas, el aborto, las relaciones entre personas de distintas razas, y las "perversiones sexuales"; tampoco podía mostrarse "lujuria" en las escenas de besos o abrazos, ni posturas y gestos "provocativos", ni lenguaje obsceno, ni "expresiones vulgares", ni blasfemias; los representantes de la iglesia debían ser tratados con el máximo respeto, lo mismo con los representantes de la ley, la policía y el ejército, y en ningún caso debía cuestionarse la institución del matrimonio. Redactadas en 1930, estas normas empezaron a hacerse efectivas en 1934 y marcaron toda la producción hollywoodiense hasta 1966.

    Un código como este es algo muy excepcional en varios sentidos. En primer lugar, fue algo exclusivo del cine. Ni la literatura ni el teatro estaban sujetos en aquella época a ningún tipo de censura previa, y en los libros y obras de teatro, sobre todo a partir de los años cincuenta, se hablaba de todo tipo de temas con todo tipo de tratamientos casi con la misma naturalidad que hoy; aunque los curas y obispos, especialmente los católicos, prohibían la lectura o la visión de las obras "obscenas" a sus feligreses, no tenían ningún medio de impedir que los parroquianos hicieran al final lo que les diera la gana y prefirieran en muchos casos juzgar por si mismos.

    En algunos estados, los alcaldes sí tenían derecho a prohibir la distribución o la exhibición de las obras en sus ciudades o pueblos, lo cual pasaba con cierta frecuencia, pero el editor o exhibidor podía recurrir la sentencia; si insistía lo suficiente, el Tribunal Supremo acababa siempre quitando la razón a los censores y permitiendo la exhibición o la circulación de la obra. En el peor de los casos, los habitantes de la ciudad podrían comprar el libro o ver el espectáculo en otro sitio; en el caso del cine, la obra no podía ni siquiera producirse; cientos de películas nunca llegaron a existir por culpa de la censura, y otras muchas fueron mutiladas por los "retoques" en el guión y los cortes de escenas rodadas. La razón de esta diferencia entre el cine y otras formas de expresión es que el cine era inmensamente popular e influía mucho más en la gente que ninguna novela o obra teatral, y los censores querían controlar al público influyendo en su principal medio de entretenimiento.

    El otro punto excepcional en este código de censura es, hay que insistir de nuevo en esto, que sean unas normas tomadas por la propia industria y no por el Estado, algo que no ocurre ni ocurrió nunca en ningún otro país, al menos en el mundo occidental. ¿Por qué los estudios se sometieron a las exigencias bastante arbitrarias del señor Hays, incluso mucho después de que éste dejara la presidencia de la MPAA (su mandato sólo duro hasta 1945, pero sus reglas se siguieron utilizando durante veintiún años más)? De hecho, durante sus 32 años de existencia el Código Hays demostró muchas veces no tener ningún valor real.


    The Outlaw (1947)

    La primera película de un gran estudio que consiguió estrenarse a pesar de la condena de la MPAA fue "El Forajido" (The Outlaw, 1943); los cortes solicitados por la oficina Hays ante la sensualidad que mostraba la protagonista Jane Russell, no fueron aceptados por el productor y director, el excéntrico y cabezota millonario Howard Hughes.

    Producido en 1943, el film no pudo estrenarse hasta 1947 por las sucesivas sentencias que prohibían su exhibición por "inmoral", con sus correspondientes recursos presentados por Hughes. Cuando por fin, tras cuatro años de lucha, los tribunales dieron la razón al productor reconociendo su derecho a la libertad de expresión, la película se estrenó con gran éxito. Sin embargo, Hughes no se vio ni mucho menos apoyado, ni antes ni después del estreno, por sus compañeros de profesión ni por nadie en la industria.

    Se podría pensar que tras este golpe el código quedaría desacreditado y muchos productores seguirían el ejemplo de "El Forajido". Pero no ocurrió así; cansado y desanimado, el propio Hughes no volvió a intentar violar la censura. ¿Por qué la industria no le apoyó, ni intentó oponerse a un código que la restringía y que en la práctica no era más que un fantasma? Pues porque, aunque en apariencia les perjudicara, a los grandes estudios les beneficiaba, y les sigue beneficiando, la censura.

    Durante la época del código Hays, con excepción de "El Forajido", no se prohibió la exhibición de ninguna película importante; sí hubo que cortar escenas y cambiar el argumento de muchas, pero todas las producciones de los grandes estudios acabaron estrenándose sin mayor problema a nivel comercial (a nivel artístico es otro cantar); sin embargo, el código sí se cebó con el cine independiente y el cine extranjero. Todas las películas que no cumplieran con las normas establecidas por Hollywood en el código, eran prohibidas por la MPAA y quedaban fuera de los circuitos de exhibición controlados por esta, que eran, y siguen siendo, la inmensa mayoría de las salas de Estados Unidos. La mayor parte del cine europeo, que casi siempre incurría en alguna falta según el código, quedaba relegado a unas pocas salas pequeñas de las grandes ciudades.

    Mediante la censura, la industria conseguía que sólo quien hiciera películas al modo de Hollywood pudiera estrenarlas en condiciones medianamente dignas. Y evidentemente, para un productor independiente es muy difícil disponer de los medios de un gran estudio para competir con él en su mismo terreno; los independientes sólo pueden competir ofreciendo un tipo de cine diferente; gracias a la censura, ese cine diferente quedaba prohibido y relegado a ghettos. El código Hays era un medio estupendo para aniquilar a los posibles competidores de los grandes estudios.


    The moon is blue (1953)


    DECADENCIA DEL CÓDIGO

    El fin de la censura comenzó cuando dejó de ser económicamente favorable; después de la Segunda Guerra Mundial se produce un cambio muy importante en la historia del cine, con la llegada primero del neorrealismo italiano y luego, durante los años 50, de directores con un estilo nuevo que va a regenerar el cine europeo: Ingmar Bergman, Carl Dreyer, Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Alain Resnais, Luis García Berlanga, François Truffaut y toda la nouvelle vague francesa hacen un cine vivo, fresco y mucho más próximo al espectador que los productos que ofrece la industria de Hollywood. Este tipo de películas empieza a verse primero en circuitos cinéfilos muy minoritarios, pero va alcanzando cada vez mayor éxito popular, en gran medida por tratar todos esos temas que la gente estaba cansada de que le ocultaran: el sexo fuera del matrimonio, el racismo, las drogas, el aborto, los embarazos no deseados, el anti-militarismo, el comunismo, la corrupción política, y largo etcétera.

    La decadencia del cine americano, cada vez más estrangulado por culpa de la censura, frente al auge y la originalidad del cine europeo, va teniendo cada vez más repercusión en los mismos Estados Unidos. A lo largo de los años 50, y sobre todo de los 60, la censura se va desacreditando cada vez más al perder una y otra vez juicios contra películas como "La luna es azul", "Pinky", "La dolce vita", "De repente el último verano", "El hombre con el brazo de oro", "Quien teme a Virginia Wolf", etc.; cada vez más voces, incluso en sectores reformistas de las iglesias católica y protestante, apoyan el derecho del público adulto a ver películas realistas.

    Además, la rápida extensión de la televisión hizo que sustituyera al cine como el entretenimiento popular por excelencia. Los censores prefieren dirigir sus esfuerzos a controlar lo que se emite desde la pequeña pantalla y se relajan más respecto a lo que ocurre en la grande, situación que dura hasta hoy. Por otra parte, la al principio minoría de universitarios que se sentían atraídos por las películas europeas había crecido mucho a mediados de los años 60. La única forma de contener la invasión europea y de que el cine americano recuperara su prestigio era ofrecer películas no sometidas a censura. Así es como el código Hays cae abajo por fin en 1966, con la creación de algo que hoy nos suena muy habitual pero que hasta entonces no existía: la clasificación por edades. La protección de los niños frente a imágenes que les puedan dañar quedaba garantizada, al mismo tiempo que se reconocía el derecho de los espectadores adultos a elegir lo que querían ver.


    Henry & June (1990)


    DESPUÉS DEL CÓDIGO HAYS: LA NUEVA CENSURA

    Sin embargo, aunque el código Hays desapareciera, la censura no lo hizo en absoluto. La MPAA no tardó en convertir el sistema de clasificación por edades en otra forma de censura. La clasificación más fuerte que podía obtener una película era la famosa X, es decir, prohibida a menores de 18 años (o de 21, dependiendo de las zonas). Esta categoría con el tiempo fue convirtiéndose en algo asociado al porno duro y a películas sin ningún mérito artístico y de "mal gusto"; la mayor parte de grandes almacenes y cadenas de distribución consideraron que les daba prestigio negarse a difundir este material.

    El porno se vio relegado a ghettos como las salas X y los sex-shops, fuera de los grandes circuitos de distribución y exhibición. Pero, la astuta maniobra de la MPAA fue otorgar la clasificación X a muchas películas que no eran ni mucho menos porno duro, sino cine de autor (de nuevo, que casualidad, casi siempre independiente o europeo) con escenas eróticas o violencia explícita. De esta forma, por el módico precio de recortar unas cuantas escenas de sexo en sus películas, los grandes estudios se aseguraron que de nuevo, buena parte del cine independiente y del europeo fueran marginados, enviados a las salas porno y relegados a distribuciones en vídeo minoritarias fuera de los videoclubs importantes.

    Esta situación fue denunciada a principios de los años 90, cuando la MPAA declaró porno a películas como "Átame!" de Pedro Almodóvar o "Henry y June" de Philip Kaufman ante la indignación de muchos autores europeos, críticos y cinéfilos; para acallar las protestas, la asociación sustituyó la clasificación X por la NC-17, argumentando que al cambiar el nombre quitaban la connotación de porno duro asociado a la clasificación X. El resultado fue el mismo, porque las películas con intenciones artísticas siguieron metidas en el mismo saco que las porno; los grandes almacenes y salas de exhibición se negaron a tratar con películas NC-17, igual que habían hecho antes con las X. El cambio de nombre no sirvió para nada.


    Showgirls (1995)

    En realidad, en Estados Unidos las cosas no han cambiado básicamente desde la época del código Hays. Algo se ha avanzado, ya que los límites de lo que la censura considera aceptable son bastante más amplios que en aquella época, pero el cine americano sigue eludiendo buena parte de los problemas sociales, políticos y sexuales de la sociedad, igual que hacía durante la época del código, y sigue utilizando la censura para evitar la competencia del cine independiente y del cine europeo.

    El único título de Hollywood transgresor de la nueva censura hasta el momento ha sido "Showgirls", del director europeo Paul Verhoeven, clasificada NC-17 en 1995. La película fue recibida con puñaladas feroces por parte de toda la crítica, en una poco frecuente y muy sospechosa condena unánime de la prensa americana, que luego se reprodujo por mimetismo en la europea. El acoso de todos los medios a la película, tildándola de basura e insultando sin muchos reparos a director, guionista y actores, logró lo que se proponía: el film fue un fracaso y todo un precedente para el próximo que se atreva a producir en Hollywood otra película NC-17. Como era de prever, nadie lo ha hecho hasta el momento. Los métodos de la censura han cambiado, ya no se prohíben directamente las películas ni se queman (lo cual es un avance innegable), ni se amenaza a sus espectadores con ir al infierno: se recurre a trucos más sutiles pero igualmente eficaces.



    Jose Antonio López

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    La homosexualidad en el cine español

    23 de mayo de 2005


    El cine español ha seguido una trayectoria diferente a la de otros países europeos debido, fundamentalmente, a los acontecimientos políticos y sociales que se desencadenaron en el país a lo largo del siglo XX y que lo desviaron de una evolución semejante en su camino hacia la sociedad contemporánea.

    En sus inicios tiene especial importancia la creación en 1928 de la Oficina Católica Internacional del Cinematógrafo (OCIO), que desde ese momento va a hacer suyo el particular enfoque de la Iglesia Católica en el ámbito de la imagen animada, sobre todo en su vertiente moral; sin embargo, será en los años treinta cuando la OCIC adquiera todo su empuje, sobretodo con la aparición de Filmor, Servicio cinematográfico de la Confederación de Padres de Familia, que ve la luz pública por vez primera el 20 de junio de 1935, durante el gobierno derechista de la CEDA.

    La representación de la homosexualidad en nuestra cinematografía es relativamente reciente, sin duda debido al peso de una dictadura que veía un peligro moral y social detrás de toda sexualidad ejercida al margen de la institución del matrimonio. En un contexto legal en el que una simple relación homosexual podía constituir un delito, una película sobre la misma podía ser considerada sin problemas apología del delito.

    La homosexualidad empezó a mostrarse tímidamente con forma y luz propias a principios de los años 60 por las pantallas de España y lo hizo con un musical: "Diferente" (1961), de Luis María Delgado, semioculto por un drama edípico. Desde entonces la representación de lo homosexual ha dado un salto enorme.


    Ocaña Retrato Intermitente (1978)

    El proceso de normalización democrática que vivió España a partir de 1977, el final de la censura y el constante interés de la sociedad española por enterrar los restos del franquismo tuvieron como consecuencia la libertad creadora, que se manifestó en el cine con propuestas muy diferentes. El cine español, como es lógico, ha evolucionado enormemente desde el fin de la dictadura hasta nuestros días. Y también ha evolucionado en el tema de la homosexualidad y en como se mira a esta desde el séptimo arte. La homosexualidad, si aparecía durante la dictadura, era para ser degrada. El gay era motivo de escarnio, burla, ridiculización y marginación.

    Desde la muerte de Franco hasta la apertura democrática, el cine continuó bajo la censura, por lo que películas como "La acera de enfrente" (1976) de Eloy de la Iglesia pasó a llamarse Los placeres ocultos para ser es desestimada en su totalidad por el aparato censor.

    A partir de la transición comienzan a dispararse los títulos que tratan el tema de la opción sexual. Títulos como: "La muerte de Mikel", de Imanol Uribe; El "Informe sobre el FAGC" u "Ocaña, retrat intermitent", de Ventura Pons... Éstas son películas en que la homosexualidad es vista desde diversos prismas, pero lo que tiene en común es que el trato ya no es degradante.

    Es una primera época hay un movimiento de reivindicación, de indagación en la identidad gay, en la que se representan muchos de los tipos posibles de personaje gay, desde la loca, más elaborada y mucho más combativa socialmente, de "Gay Club" (1980), pasando por el travestido de "Un hombre llamado Flor de Otoño" (1978) y de La muerte de Mikel (1983), el joven adolescente con conflicto de identidad como Juanito en "El diputado" (1978) y, por supuesto y sobre todo, con la figura inédita hasta ese momento del homosexual viril, e incluso apuesto, encarnado por Simón Andreu en "Los placeres ocultos" (1976), primera película que responde a este modo de representación, o por Imanol Arias en "La muerte de Mikel" (1983), última película que se puede considerar como perteneciente a esta modalidad.


    El diputado (1978)

    En este tipo de películas, el homosexual presenta una serie de características comunes, ya que es representada su vulnerabilidad y el conflicto entre sus dimensiones individual y social, entre el homosexual y el universo no homosexual, además de establecer una relación directa entre la resolución de este conflicto (independientemente de si ésta es positiva o negativa) y la resolución final de la trama. También se perfila la figura del homosexual honesto y, sobre todo, viril, mostrándolo como un hombre como cualquier otro que se enamora de otro hombre.

    Se ajustan a esta época reivindicativa películas como: "Los placeres ocultos" (1976) de Eloy de la Iglesia, "A un Dios desconocido" (1977) de Jaime Chávarri, "Un hombre llamado Flor de Otoño" (1978) de Pedro Olea, Ocaña, retrat intermitent (1978) de Ventura Pons

    A partir de 1985 se hacen películas donde la homosexualidad sigue siendo elemento importante en la construcción de los personajes pero abandona el centro temático de las historias, muchas de las cuales seguirían manteniendo su estructura aunque eliminásemos la cuestión homosexual de la trama. Tienen un precedente importante en Laberinto de pasiones (1982) de Pedro Almodóvar, pero se inician realmente con otro título del director manchego: La ley del deseo (1987). Estas películas se definen por aprovechar el potencial del homosexual para crear situaciones originales o simplemente para jugar, ya sea de forma humorística o dram´tica, con la expectativa. Son películas como "Tras el cristal" (1986) de Agustín Villaronga, "Las cosas del querer" (1989) y "Las cosas del querer 2" (1995) de Jaime Chavarri

    Posiblemente la característica más destacable del cine español que aborda la homosexualidad es el respeto que manifiesta hacia la sensibilidad no homosexual. La filmografía gay acentúa los puntos en común y atenúa, en lo posible, las diferencias, lo que explica la escasa representación en nuestro cine de cuestiones como los modos de relación, la estructura social y la cotidianeidad del colectivo gay que sí se representan en otras cinematografías. Salvo excepciones, las españolas son, hablando de formas de representar la sexualidad como experiencia humana, películas para todos los públicos.


    La ley del deseo (1987)

    Los directores más conocidos dentro de la filmografía gay española son Ventura Pons, Pedro Almodóvar y Eloy de la Iglesia.

    Las películas de Eloy de la Iglesia, aunque muy discutibles desde muchos puntos de vista, representan la primera representación extendida de los hombres homosexuales en el cine Español, en los años sesenta hasta los años ochenta.

    De la Iglesia puso la homosexualidad en un contexto, intentó explorar otros sujetos relacionados a la homosexualidad, como la clase, la edad, y otros y en sus películas también muestra una exploración compleja y explicita de las relaciones entre la homosexualidad, el Marxismo, y el separatismo. Algunas de sus obras son; "El pico", "Los placeres ocultos" (1976), El diputado (1978). De la Iglesia representa el arreglo entre los cambios que seguirían la muerte de Franco y establecería un ejemplo para otros directores españoles, como Pedro Almodóvar.

    Las películas de Pons (homosexual declarado) tienen un claro tono subversivo en el sentido reivindicativo de la libre sexualidad. Ventura incorpora la subjetividad homosexual, sin dejar de hablar de temas universales, para hablar de temas gays desde un planteamiento más reivindicativo y militante, y más centrado en la homosexualidad. Ventura Pons manifiesta más tendencia a establecer estas identidades por opción sexual sobre todo en sus últimas películas. Lo que hace el director catalán es utilizar el discurso crítico con la sociedad para colocar la homosexualidad en la realidad histórica a fuerza de reivindicar su marginación como forma de rebeldía contra la norma sexual. Pons es uno de los directores más comprometidos y avanzado en el cine de temática homosexual.

    En cambio, en los filmes de Almodóvar la homosexualidad aparece como una cosa perfectamente asumida, y no en conflicto con uno mismo ni con la sociedad, como hace Pons. Almodóvar incorpora la perspectiva gay para hablar de temas universales: amor, pasión, la culpa, la desesperación en situaciones límite, el desarraigo, la búsqueda de los orígenes, la emigración como la huida de un ambiente emocional irrespirable... Tiene otros intereses que no son la reivindicación, y que consisten en mostrar las relaciones sentimentales, las pasiones y donde el tema homosexual es secundario pero presente. Almodóvar reivindica más el lado femenino del hombre que la homosexualidad. Siempre ha puesto las mujeres en el centro de sus películas, y a veces ha sido acusado de misoginia. También es considerado la figura que representa la España actual.

    Sin embargo, la mayoría de películas gay españolas tratan la homosexualidad masculina, dejando a la femenina un poco de lado. En este punto, el lesbianismo está a tanta distancia de los "gays" como las mujeres de los hombres en el conjunto de la sociedad. Por ejemplo, en "El periscopio", José Ramón Larraz, (1978), trata la homosexualidad femenina desde una perspectiva muy superficial. Las protagonistas son dos enfermeras lesbianas, cuyos encuentros son espiados por un adolescente que utiliza un periscopio para observarlas. El planteamiento de la película no es la reivindicación de la homosexualidad como un derecho a conquistar por la mujer, sino la presentación de dos mujeres en actitudes eróticas que son observadas por un adolescente. Una vez más, el objetivo que se busca es la presentación de una fantasía erótica.

    Pero sí se han realizado películas que tratan bien el lesbianismo. Desde un punto de vista cómica tenemos A mi madre le gustan las mujeres (2002), una película con un enfoque del tema discreto, divertido y tolerante.

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    La leyenda de Bonnie & Clyde, Bertolt Brecht y Wall Street


    Bonnie & Clyde

    En un museo de la pequeña ciudad de Primm (Nevada), a unos 60 kilómetros al sur de Las Vegas, se encuentra el automóvil Ford en el que murieron Bonnie Parker y Clyde Barrow. La célebre pareja de asaltantes fue emboscada el 23 de mayo de 1934 por cinco policías que los acribillaron a tiros en una zona rural de Louisiana. El museo también exhibe la camisa del pistolero, llena de orificios. Bonnie, una ex camarera de 23 años, recibió 50 balazos; Clyde, de 25, tenía más de veinte impactos.


    Así quedó el coche de Bonnie & Clyde

    Durante dos años ambos recorren el suroeste de Estados Unidos atracando bancos, gasolinerías y restaurantes, y matan a doce personas, la mayoría policías. En aquella época de crisis económica -derivada del crack de Wall Street en octubre de 1929- Bonnie y Clyde son vistos como una pareja romántica, considerados héroes populares y convertidos en leyenda. En 1967, el director Arthur Penn adapta la historia en una película protagonizada por Faye Dunaway y Warren Beatty. Los asaltantes se transforman en un símbolo de rebeldía contra una sociedad que les negó oportunidades.

    Cinco años antes de sus muertes, el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht (1898-1956) estrena en Berlín la obra musical que lo consagra como autor: La ópera de los tres centavos. Se trata de una ácida crítica al sistema capitalista, cuyo título podría haber figurado en el epitafio de Bonnie & Clyde: en uno de los diálogos, un personaje afirma que “más grave que asaltar un banco es fundarlo”. Tiempo después, Brecht escribe en un ensayo: “En los países democráticos no se percibe la naturaleza violenta de la economía, mientras que en los países autoritarios lo que no se percibe es la naturaleza económica de la violencia”.


    Bertolt Brecht


    PISTOLEROS SIN FRONTERAS

    Parker, Barrow y Brecht viven durante la depresión mundial que comienza el “jueves negro” del 4 de octubre de 1929, con la estrepitosa caída de la bolsa en Nueva York, y se prolonga durante los años 30. Tras una década de crecimiento económico y de especulación bursátil, con beneficios rápidos y fáciles, el país va a la quiebra: el desempleo es enorme, los trabajadores deambulan de un estado a otro, hay hambre. Las consecuencias se extienden a una Europa que aún no ha curado las heridas causadas por la Primera Guerra Mundial.

    Alemania, la gran derrotada, es la nación que más sufre, víctima del implacable Tratado de Versalles (1919) y con una inflación incontrolable. Durante la débil República de Weimar (1919-1933) se suceden once gobiernos. Los trabajadores no tienen qué comer; la clase media se aterroriza y, como siempre, exige “mano dura”. Todas las mañanas las amas de casa berlinesas van a comprar el pan provistas de su carrito repleto de billetes de cientos de miles de marcos que no valen nada. Esta miserable situación favorece el triunfo de Adolfo Hitler en las elecciones de julio de 1932. Poco después, Alemania va otra vez a la guerra y termina nuevamente derrotada.

    Con certeza Bonnie y Clyde no leyeron a Brecht. ¿Habrá leído Saddam Hussein al dramaturgo alemán? En la celda donde sus carceleros del ejército estadounidense lo han fotografiado en calzoncillos y lavando a mano sus camisas, ¿reflexionará el ex hombre fuerte de Irak acerca de la relación entre la guerra y los negocios? Mientras el prisionero sistemáticamente vejado escribe sus memorias, ¿recordará que siempre existe una vinculación entre las invasiones de Estados Unidos, el petróleo, la venta de armas y la expansión del poder económico global concentrado en Wall Street?

    En la mayoría de los países, actualmente muchos habitantes atraviesan una situación cercana a la de 1929. Los bancos, en cambio, son cada día más prósperos. Ayer desembarcaron en la disuelta Yugoslavia. Hoy están en Afganistán e Irak junto con las empresas petroleras, los fabricantes de armamento y las compañías gasíferas, aeroespaciales, informáticas, constructoras y eléctricas, ganando dinero en un mundo globalizado que cierra las fronteras a las personas pero las abre para los capitales. A diferencia de Bonnie y Clyde, estos gangsters modernos no asaltan bancos, gasolinerías y restaurantes porque son los dueños de bancos, gasolinerías y restaurantes, además de muchos otros rubros.


    Wall Street


    DESTRUCCIÓN, INVERSIÓN Y GANANCIAS

    En “Claves económicas de la ocupación de Irak”, artículo divulgado el año pasado en la red por Rodrigo Guevara, director de IAR-Noticias, se dan muchos datos en pocas líneas. Por ejemplo: las “cuatro grandes” contratistas del complejo militar-industria (Lockheed Martin, Boeing, Raytheon, General Dynamics) y las “cuatro hermanas” que monopolizan la extracción y comercialización del petróleo a escala mundial (Exxon-Mobil, Chevron-Texaco, Royal Dutch Shell y BP), cotizan sus acciones y se capitalizan en Wall Street.

    Luego de los aviones que bombardean, los tanques que destruyen y las tropas de ocupación que arrasan llega otro ejército: los lobbistas, consultores y representantes de los bancos y grupos de inversión de Wall Street dispuestos a “invertir” en la reconstrucción de las infraestructuras e instalaciones devastadas.

    Detrás de cada cada guerra están los fabricantes de armas que extraen su ganancia del billón de dólares anuales destinados a los presupuestos militares, escribe Guevara. Están las petroleras y gasíferas que explotan y regulan los mercados multimillonarios del petróleo y la energía. Están los megabancos y megagrupos de inversión de Wall Street (Citigroup, Goldaman Sachs y J.P.Morgan-Chase) que embolsan fabulosas sumas “financiando” las “recontrucciones” de los países destruidos por los misiles y las bombas inteligentes.

    Y también están las poderosas trasnacionales industriales como Ford o General Motors, o los megaconsorcios de la electrónica y de la informática como IBM o Microsoft, las líderes de la llamada “nueva economía” y de la tecnología de última generación, que suscriben contratos por miles de millones de dólares con el departamento de Defensa de Estados Unidos.

    Estados Unidos controla el dólar, la moneda patrón internacional. Posee la Reserva Federal, la bolsa de Nueva York, el complejo militar-industrial más poderoso del mundo y el poder tecnológico-informático más avanzado del planeta, situado en Silicon Valley. Es el verdadero poder detrás del trono en la ONU, el FMI, el BID y el Banco Mundial.

    Por eso a muchos hombres de negocios se les hace agua la boca pensando en una Cuba sin Fidel Castro y en una Venezuela sin Hugo Chávez. No es una “ópera de tres centavos”: son intrigas de miles de millones de dólares. Y lo más triste de todo: quizá algún día se muestren en un museo los calzoncillos de Saddam Hussein, pero ninguno exhibirá nunca la camisa de alguno de estos hombres de negocios con 50 orificios de bala.



    Roberto Bardini (rebelion.org)



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    Camille Claudel, una escultora apasionada

    22 de mayo de 2005


    Camille Claudel (1864-1943)

    "Tras apoderarse de la obra realizada a lo largo de toda mi vida, me obligan a cumplir los años de prisión que tanto merecían ellos..."


    Estas palabras fueron escritas por Camille Claudel al cumplirse el séptimo año de lo que ella misma calificaba como "penitencia", su internamiento en un manicomio.

    Lo que desconocía entonces es que el final de sus días, 23 años después, la encontraría en el mismo lugar, el sanatorio mental de Montdevergues, y del mismo modo, encerrada.

    La suya es una historia donde se entremezcla el talento con el amor y la locura con el arte. El nombre de Camille Claudel (Villeneuve-sur-Fère, 1864) ha trascendido al tiempo, muy a su pesar, más por ser musa y amante del escultor Auguste Rodin que por su talento artístico. Pero a diferencia de otros dúos musa-artista (Gala y Dalí, Modigliani y Jeanne Hébuterne), éste contaba con un ingrediente que lo hacía más apasionado si cabe: ambos eran creadores.


    Camille Claudel

    Hasta no hace mucho las sombras oscurecían las razones por las que Camille, tiempo después de romper con el gran amor de su vida y tras un periodo de enfermedad y encierro, pasó los últimos 30 años de su existencia internada y aislada del mundo a petición de su propia madre.

    Recientemente han salido a la luz unos documentos que, aunque encontrados en el sótano de un asilo de París en 1995 por Philippe Versapuech, investigador en historia psiquiátrica, no se han hecho públicos hasta resolverse la batalla legal desencadenada por su propiedad. En ellos consta el diagnóstico realizado en su día por los doctores que observaron en la paciente delirios paranoicos. Pero entre esos papeles también se encuentran cartas de la propia Claudel que denuncian con extraordinaria lucidez la dureza de su confinamiento, su soledad y el odio creciente hacia quien fue su maestro y amante.

    (seguir leyendo Camille Claudel, una escultora apasionada)


    Camille Claudel, Sakountala
    SAKOUNTALA



    EL VALS




    La Pasión de Camille Claudel (1988)

    La vida de Camille Claudel fue llevada al cine en una gran película francesa de 1988 y protagonizada por Isabelle Adjiani y que en España se tituló La pasión de Camille Claudel, con Gerard Depardieu en el papel de Rodin.



    Algunos enlaces:

  • uned.es
  • solonosotras.com
  • geocities.com/camille1
  • geocities.com/camille2
  • clt.astate.edu
  • bc.edu

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    Tron (1982)


    Tron (1982)

    En 1982 (el mismo año de "Blade Runner") y producida por la Disney se estrenó "Tron" , una película dirigida por un director desconocido, Steven Lisberger, protagonizada por Jeff Bridges y que no fue ni mucho menos exitosa pero que con el paso del tiempo se ha convertido en una película casi de culto (no al nivel de "Blade Runner" ni muchisimo menos, pero cuenta con bastante fans). Tron deslumbra con los revolucionarios efectos visuales y las secuencias de acción. Fue la primera película de aventuras dentro del inexplorado mundo tridimensional del inimaginado dominio de la informática.



    Argumento

    Kevin Flynn (Jeff Bridges), intenta demostrar que el videojuego de moda es obra suya y fue robado por su jefe en ENCOM, de donde ha sido recientemente despedido. Día tras día intenta entrar en el sistema de ENCOM en búsqueda de información que pruebe los hechos, detenido una y otra vez por el Control Central de Programas. El CCP, el "Gran Hermano" de ENCOM, ha estado haciendo la vida imposible a todos para conseguir el dominio total.

    Una noche, después de entrar en el edificio ENCOM, en un nuevo intento de hallar las respuestas, Flynn es transportado al mundo virtual controlado por el CCP. En este mundo los programas, a causa de su fe en los programadores, están siendo subyugados por el CCP, su brazo derecho Sark, y guerreros de élite. A menos que éstos rindan pleitesía al CCP y renuncien a su creencia en los programadores, se verán forzados a combatir a muerte como gladiadores en la Rejilla de Juego.




    Tron, la película, tuvo un gran impacto visual en su época. El mundo electrónico fue filmado originalmente con una película de 65 mm (que junto a la banda sonora acabó siendo de 70 mm) en blanco y negro, mientras los actores eran grabados contra una pantalla negra como fondo. La película sería coloreada posteriormente usando una técnica conocida como "Pintura con Luz". Como resultado una experiencia única que junto a la música de Wendy Carlos nos introduce en el mundo virtual de una computadora.



    La historia

    Aunque muchos ávidos fanáticos alegan que sin "Tron" nunca hubiera existido "The Matrix", los lectores de ciencia- ficción familiarizados con las obras de William Gibson, Neal Stephenson y Philip K. Dick saben que el génesis de toda esa corriente de "realidad virtual" tan socorrida por Hollywood en la última década proviene directamente de los libros de los mencionados titanes del género. Pero parte de la hipérbole de los fans de "Tron" sí es cierta; aunque en su tiempo fue un fracaso de taquilla, el espacio computacional que "Tron" propuso sentó las bases gráficas y estilísticas con el que la cultura popular relacionaba el entonces reducido mundo de las computadoras. Los famosos "Mainframes", hoy casi obsoletos, tenían una tenebrosa similitud con el "Big Brother" de Orwell, y para muchos presagiaban el fin del control de la raza humana sobre el mundo.


    Tron (1982)

    Casi veinte años después tales profecías se han quedado cortas en ciertos aspectos. En otros aspectos, resultaron demasiado optimistas. El punto es que "Tron" fue innegablemente una introducción amable al misterioso mundo del silicón para niños y adolescentes que poco a poco nos hizo descubrir que había efectivamente algo más adictivo que la venerada televisión: los videojuegos. Y el interés en los videojuegos, si uno corrió con suerte, desencadenó también un interés en la tecnología que posiblemente ayudó a moldear el mundo hasta el estado en que ahora lo vemos. Pero, ¿fué entonces la película "Tron" responsable por la explosión del internet, por América OnLine y por el virus Merry_Xmas? Probablemente no. Pero estoy seguro de que hay muchas personas en las que influyó tanto como en mí. Y en el contexto global, tal vez el número no sea tan despreciable.

    Pero dejemos de especular sobre su importancia histórica. "Tron", después de todo, y a pesar de sus propuestas filosóficas, se trata de videojuegos y de sus creadores. La historia comienza con Flynn (Jeff Bridges) tratando de introducirse ilegalmente a la red del MCP, computadora central de la emp resa donde él trabajaba, y que supuestamente le robó las patentes de varios innovadores videojuegos que han significado tremendo crecimiento económico para la compañía. Flynn trata de violar los protocolos de seguridad para encontrar evidencia de ese robo y reclamar como suyos los videojuegos. Pero sería muy aburrido ver al programador sentado al teclado. Afortunadamente resulta ser que en el espacio computacional (que hoy llamamos ciberespacio), los programas llevan una vida propia que hasta cierto punto emula a la de sus creadores. Entonces, vemos al programa de análisis que Flynn escribió, llamado Crom (también interpretado por Jeff Bridges) como una interpretación de su autor, viviendo en un entorno electrónico que contiene muchos análogos del mundo real.


    Tron (1982)

    Pero el malévolo MCP (Master Control Program, con la voz electrónicamente alterada de David Warner) destruye al programa. A la mañana siguente Alan (Bruce Boxleitner) descubre que como consecuencia del ataque de Flynn, los parámetros de seguridad se han reforzado y junto con su novia Lora (ex- novia de Flynn), visitan al joven programador para sugerirle que cese sus intentos de penetrar en la red. Flynn, antes el programador estrella de la compañía, ahora es dueño y administrador de un "arcade", un lugar de videojuegos donde los niños y jóvenes depositan miles de dólares en las versiones tragamonedas de los videojuegos que el creó y que luego le robaron.

    Pero cuando Alan y Lora se enteran de que Flynn conoce evidencia inequívoca de la culpabilidad del MCP y de su creador, Ed Dillinger (David Warner de nuevo), deciden ayudarlo a infiltrarse en la compañía, para que en una terminal autorizada Flynn logre encontrar los archivos que le ayudarán a probar sus alegatos de plagio. Ya en la empresa, el MCP se da cuenta de la intrusión de Flynn, y mediante un proceso experimental de absorción física de objetos en el espacio computacional, el siniestro mainframe se "traga" a Flynn, y lo deposita en su interior, donde el resto de los programas vive. Flynn es puesto a jugar en la rejilla de videojuegos, con el propósito de eliminarlo, tal como el MCP hace con la multitud de programas obsoletos cuyas funciones ya ha asimilado. Pero Flynn no es un programa... es un usuario. En el mundo de los programas tal cosa conlleva una reverencia religiosa y adicionalmente confiere a Flynn ciertos poderes que le ayudarán a sobrevivir los retos de los videojuegos y a redimir al ciber universo al liberarlo del férreo control del MCP, que controla todo y a todos.

    Los principios filosóficos de "Tron" son evidentes, y forman parte del código ético de los primeros programadores y hackers que desde los cincuentas veían a la ciberrealidad como una alternativa viable a nuestro mundo de burdos átomos, lleno de limitaciones físicas y restriccione s sociales. El fundamento de esta filosofía es "La Información Quiere ser Libre", y bajo el disfraz de aventura de ciencia ficción, forma el nudo narrativo de "Tron", así como su más fuerte mensaje.


    Tron (1982)

    Además de la sorprendente relevancia actual de dicha filosofía, "Tron" también innovó con el imaginativo uso de los gráficos por computadora para crear un mundo que se beneficiaba por la crudeza de las imágenes digitales de entonces. El castigo final en la película no es la muerte, sino el "de-rez"... la disminución de resolución hasta que el ente u objeto cesara de existir. Sin buscar en ningún momento el fotorrealismo, "Tron" consigue una hermorsa plástica, a la vez estéril y orgánica, donde los fractales y la geometría comparten importancia, y en el que los colores primarios son diestramente usados para connotar la gama de humores y emociones de nuestro burdo mundo real.

    En cuanto al elemento humano, no hay mucho que decir. Bruce Boxleitner, Cindy Morgan y Jeff Bridges son apenas funcionales, y David Warner es una mera caricatura del villano. Pero nada de eso importa cuando la tecnología y las ideas son los auténticos protagonistas.

    Vista en nuestra época, es imposible apreciar el impacto que "Tron" tuvo en su tiempo. Y para quien no guste de los videojuegos será imposible explicar su relevancia en el diseño y mercadotecnia de esos juguetes digitales. Pero quien haya vivido de primera mano tales eventos recordará con cariño a esta imperfecta pero innovadora película, que ponía en términos vívidos y sencillos, no la forma que tomaría la tecnología computacional en el futuro, sino las ideas que deberían guiarla, y los peligros de los que deberíamos alejarnos para lograr el libre flujo de información. La existencia de los conocidos monopolios que van totalmente en contra de todo eso son clara muestra de que las advertencias cayeron sobre oídos sordos. Y a los discípulos de "Tron" que han sido firmemente absorbidos por los monopolios y convertidos en meros bits dentro del programa global, sólo les queda rezar por la segunda venida del Usuario.



  • Recomiendo este juego que es de verdad genial (y liviano, y gratuito...) inspirado en las carreras de motos en la película Tron. Relamente es divertidisimo y está muy bien hecho en su sencillez.

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  • Kelli White habla sobre su dopaje

    21 de mayo de 2005


    Kelli White

    KELLI WHITE RELATA ANTE LA A.M.A. EL INFIERNO DEL DOPAJE


    "Me sentí como una cobaya", dice la ex velocista.


    La estadounidense Kelli White, desposeída de los títulos mundiales de 100 y 200 metros de París 2003 tras dar positivo en un control, ha descrito ante la Agencia Mundial Antidopaje (AMA), reunida en Montreal (Canadá), toda su relación con las sustancias prohibidas, periodo de su vida del que dice haberse arrepentido. El diario francés L'Equipe publicó el relato en su edición de ayer.

    Kelli White confiesa que comenzó a doparse en 2000. Su entrenador, Remi Korchemmy, le puso en contacto con Victor Conte, director de los laboratorios Balco. "Al principio me dijo que se trataba de tomar complementos alimenticios, proteínas, vitaminas y bebidas energéticas, pero luego me dijeron que había que consumir THG (un anabolizante entonces indetectable), EPO, un producto masculinizante y una mezcla de estimulantes".

    Accedió a todo porque su entrenador le decía que no tenía calidad natural suficiente, que el dopaje era necesario. En 2003 su dopaje era ya masivo. "Los resultados fueron increíbles: doblé mi carga de trabajo y estaba en condiciones de ser la mujer más rápida del mundo".


    Kelli White en París 2003

    Pero si los resultados en mejora del entrenamiento fueron impresionantes, no menos lo fueron los efectos secundarios: "Mi ciclo menstrual fue totalmente perturbado y tenía la regla cada quince días. Me salió acné en la cara y el tórax y mi voz se transformó de manera increíble. Mi tensión arterial se disparó y pasó mucho tiempo hasta que se normalizó".



    Sin miedo

    Dice Kelli White que "había oído decir que la THG sólo se había experimentado en animales y nunca en personas, pero no tenía miedo porque detrás de todo esto estaban Victor Conte y los médicos".

    La EPO, sin embargo, sí le causaba un cierto recelo: "Me preocupó que con la EPO me subiera tanto el hematocrito. Mi entrenador me recomendó que bebiese más agua".

    Reconoce que se sintió "como una cobaya", en el sentido de que parecían experimentar con ella, y dice que se dopó "por muchas causas, pero sobre todo por dinero. Comencé a ganarlo, a tener mi plaza reservada en las zonas de calentamiento, a viajar en condiciones lujosas. Cuando ganas vas en limusina".

    Kelli White confiesa ahora que está arrepentida de todo aquello y apunta a los técnicos, para los que pide sanciones: "Ellos tienen la llave del dopaje". Y denuncia: "Remi Korchemmy sigue entrenando atletas".


    Kelli White en París 2003


    Pasó 17 controles, todos negativos, en 2003

    Kelli White confesó ante la AMA que en el año 2003 pasó nada menos que 17 controles antidopaje, tanto en competición como por sorpresa, y que siempre dio negativo. En los Mundiales de ese año ganó en 100 y 200 metros, pero dio positivo con Modafinil, un estimulante. "Estaba muy tranquila y no tenía miedo. Sabíamos que la EPO sólo se buscaba a partir de los 400 metros", confiesa la ex atleta, que no se explica cómo no daba positivo con los estimulantes, que sí se buscan en los controles antidopaje que se hacen a los sprinters. Dio positivo con Modafinil y argumentó que tenía narcolepsia desde niña. "Era mentira. Dije lo que me aconsejó Victor Conte. Unas horas antes no sabía ni que esa palabra existía". Fue castigada con dos años de inhabilitación y se anularon todas sus marcas y títulos desde el 15 de diciembre de 2000. Se proclama arrepentida.

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    El coleccionista (1965)


    El Coleccionista (1965)

    Ayer viernes por la tarde vi El coleccionista (The Collector, 1965) de William Wyler, uno de los ultimos trabajos del mítico cineasta y con toda seguridad su última obra maestra (aunque La liberación de L.B. Jones es un drama antirracista que está muy bien, pero no llega al nivel de esta).

    Realmente ha sido una delicia rescatar este clásico a medio camino entre el melodrama, el suspense y el terror. La historia es la de un joven, Freddy Clegg (Terence Stamp) con serias dificultades para relacionarse (casi un autista), empleado de un banco y aficionado a cazar y coleccionar mariposas. Un día le toca una quiniela, y a partir de ahí dispondra de tiempo y dinero para llevar a cabo su plan largamente aplazado: raptar a la mujer de la que esta secretamente enamorado/obsesionado desde hace años, Miranda Grey (Samantha Eggar), y tenerla secuestrada hasta conseguir que ella se enamore de él... Compra una casa apartada en una zona rural, y un día tras seguir con su furgoneta a Miranda mientras esta pasea por Londrés, la aborda en una esquina, la duerme con cloroformo y se la lleva secuestrada.

    La película tiene practicamente estos dos unicos personajes y transcurre casi integramente en el sótano donde la tiene secuestrada, aunque parte tambien transcurre en la casa propiamente dicha. Es por lo tanto muy teatral en su concepción. Sin embargo el gran mérito de William Wyler está en que con unos elementos tan frágiles (argumento muy esquemático y poco verosimil, ausencia de acción y pocos escenarios), consigue atrapar al espectador en un caudal de emociones, sentimientos y verdadera preocupación por el destino de esos personajes al límite.


    Terence Stamp y Samantha Eggar en El Coleccionista (1965)

    El hallazgo fundamental está en que se aborda la historia desde los dos puntos de vista, tanto desde la perspectiva de él como desde la de ella, con lo que se consigue un curioso efecto: al tiempo que crece nuestra angustia por la suerte de la pobre chica, crece tambien nuestra comprensión (y compasión) hacia Freddie, personaje ambiguo que resulta repulsivo y atractivo a partes iguales (gracias sobre todo a un espléndido Terence Stamp, en uno de sus primeros trabajos, y de lo mejor que ha hecho nunca). La ausencia de otros personajes y subtramas hace que el espectador no tenga un minuto de relajamiento y que en ningun momento pueda dejar de pensar en la situación que esta contemplando, viendo como la inteligente muchacha intenta escapar de mil y una maneras, y como todas ellas son frustradas por su captor, que pese a su inestabilidad emocional, parece tener todos los detalles bajo control.


    El Coleccionista (1965)

    A esto se añade la tensión sexual que recorre el film y que nunca termina de estallar, en esto es muy hichkotiano: no llegamos a saber porqué él estando tan enamorado de ella se muestra tan esquivo ante la posibilidad de un encuentro sexual, y tampoco si el deseo de ella es unicamente una estratagema para intentar escapar o realmente siente algo de verdad por su captor. La ambiguedad nunca es desvelada.

    Estamos ante una película realmente compleja que aborda muchos temas desde posiciones ambiguas y nada cómodas: el significado del amor, de la libertad, la incomunicación, e incluso las concepciones clasistas de la sociedad. La metáfora con el coleccionismo de mariposas va más álla de una lectura superficial, y la maestría de William Wyler llega a extremos fascinantes, como ese momento en el que un portazo hace que con el aire se muevan las mariposas (muertas) de la colección, y los significados que metafóricamente se le puede atribuir, o la expresión aterrorizada de la muchacha al ver la colección de mariposas y como en ese momento se da cuenta por primera vez de que dificilmente va a salir viva de su cautiverio.

    Bueno, no puedo decir mucho, tampoco soy ningun critico de cine, solo digo lo que sale porque a mi la pelicula me ha encantado, y me ha impresionado, creo que esta entre las mejores que he visto en mucho tiempo. Es una pelicula de 1965, hecha en un momento de cambio social que afectaría al cine de forma decisiva. La introspección psicologica, la sexualidad, la ambiguedad moral, la alienación, son elementos de una nueva epoca que prefiguran ya el cambio que enterraría (¿para siempre?) las simplistas concepciones burguesas tanto del cine como de la sociedad.


    Samantha Eggar en El Coleccionista (1965)



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